Teatro Filmado

Digresiones sobre Beginners

2011-08-20T18:01:00.001+02:00

Seré breve porque en estos tiempos de Twitter postear en un blog es una locura. Cada vez que salgo de ver una película pienso en soltar lo que se me ocurre por escrito; y siempre me pasa que lo que pienso, convertido a tweets, es demasiado y convertido a blog es demasiado poco. Así que le he dado al botón "escritura automática" y veremos qué sale.

Terminamos viendo Beginners con Gabriela por accidente. Frente a una cartelera de verano en Madrid bastante desangelada, queríamos ver Rise of the Planet of the Apes, pero me equivoqué con el horario y llegamos media hora tarde. Podíamos esperar en Manoteras algo más de una hora y ver El hombre de al lado en ese mismo cine. Pero Gabriela no puede quedarse quieta y prefirió esperar algo más de una hora pero no en el mismo sitio y ver otra película en otro lado, así que, luego de revisar la cartelera, pusimos proa a Cuatro Caminos, donde daban Beginners.

Beginners es el tipo de películas a las que descarto por el afiche. Pero me había sorprendido ver en Metacritic que la crítica le había dado 82 puntos, incluyendo los críticos que sigo con atención (Andrew O'hehir de Salon y el infinito Roger Ebert, básicamente, no porque necesariamente comparta sus gustos sino porque tengo medidas las distancias entre sus gustos y los míos.

Bien, digresiones:

Es una comedia dramática indie de manual, sobre otra familia disfuncional estadounidense contemporánea, narrada desde el punto de vista del hijo posadolescente tardío y disfuncional y sus dificultades para establecer relaciones que no sean disfuncionales.

Está dirigida por Mike Mills, un homónimo del bajista de R.E.M., artista gráfico y director de videoclips que, básicamente, ha contado en este film su propia historia y la de su familia. De él había visto ya Thumbsucker, y debo decir que respecto de esta, Beginners, sin ser una obra maestra, ni siquiera una gran película, es un salto de gigante.

Cumple todas las reglas del género: el protagonista padece actitud contemplativa cercana a la somnolencia, la fotografía es descuidada y la selección de canciones no, el ratio de pantalla es 4:3, no hay efectos especiales ni decorados caros, el sexo está presente pero casi solo en las palabras y el elenco está encabezado por artistas "de prestigio" (Christopher Plummer, Ewan McGregor y Mélanie Laurent), aunque esto último ya va dejando de ser una seña particular, desde que los productores de cómics se han dado cuenta de lo fácil que es incorporar ese recurso.

Lo mejor de Beginners es lo que no viene en la receta indie: el montaje. La historia avanza simultáneamente en tres planos temporales (la infancia, el pasado inmediato y el presente del protagonista), cada uno de ellos ligeramente desordenado. Una fórmula parecida a la del Tarantino de Pulp Fiction, pero sin fuegos artificio. Es un montaje silencioso, en el cual las líneas de tiempo se integran con delicadeza y producen en el espectador la impresión de que todos los eventos ocurren y se explican entre sí simultáneamente.

Lo segundo mejor en Beginners es la música. En lugar de hacer la selección de folk de dormitorio típica contemporáneo del género, el film se apoya en el protojazz de Jelly Roll Morton, que desde la banda sonora aporta emoción y ayuda a balancear la impotencia contemplativa del personaje principal.

El guión tiene varios temas bien ensamblados: la herencia judía, el activismo gay, la condena de ser hijo único, la evolución del negocio de las artes plásticas (desde las exposiciones que organizaba el padre en los años 70 hasta el malvivir del hijo como adocenado artista gráfico, los enfermos terminales, la práctica del graffiti y la comunicación telepática entre mascotas y sus dueños.

En resumen, Mills usa varios recursos técnicos (la edición, el sonido, el guión) para evitar el mayor problema del subgénero: que la chatura anímica de los personajes se contagie a la obra.
Por útimo, actuaciones: Plummer aprovecha su oportunidad. Laurent practica la misma mezcla irritante de hippie fatal que hizo Marion Cotillard en Les Petits Mouchoirs, pero bueno, es lo que le toca hacer. Es gracioso ver cómo se abraza en Estados Unidos el estereotipo de la francesita histérica. Ewan McGregor, probablemente el actor anglohablante más empático del cine actual, blinda todo con su aura de chico bueno que se sobrepone a las desgracias con más fortuna que mérito.

Bueno, no fue tan breve.

No tan Invictus

2010-02-13T18:14:00.003+01:00

La fortaleza del cine de Clint Eastwood reside en la equilibrada contradicción entre el carácter contemporáneo y descarnado de los temas que narra y la forma clásica en que los narra. Adulterio, pedofilia, eutanasia, racismo, antipatriotismo... Es como si los especialistas en dramas clásicos de los años 50 y 60 se hubieran liberado del peso del macartismo y pudieran llamar a los temas por su nombre, pero manteniendo la elegancia formal adquirida en el persistente ejercicio de la elipsis. Esta contradicción no es más que el reflejo de la propia persona pública de Eastwood, un viejo vaquero republicano ablandado en cuestiones progresistas tras décadas de supervivencia en una industria habitada por presuntos artistas. Un conservador ecologista que gusta de escandalizar a propios y ajenos.

En Invictus -un biopic sobre los comienzos de Nelson Mandela como presidente de Sudáfrica, y su hábil utilización del Mundial de Rugby de 1995 como un medio para la reconciliación nacional- no hay rastros de esta contradicción vital porque ha desaparecido uno de los términos de la ecuación. Persiste la forma de narrar, pero el tema, si bien contemporáneo, es demasiado ajeno al mundo de Eastwood. Toda su capacidad habitual de irritar y, a la vez, hacer cómplice al espectador en el tratamiento de personajes y situaciones es reemplazada aquí por un respeto reverencial a la historia.

Eastwood ya había incluido elementos biográficos en otros films (en Bird y, de manera menos evidente, en White Hunter, Black Heart), pero en esas ocasiones contaba con la ventaja de que sus sujetos narrativos (Charlie Parker, John Huston) ya habían muerto y, además, carecen de la dimensión política de Nelson Mandela. Ambas circunstancias le daban un espacio considerable para adaptar la verdad histórica a sus necesidades expresivas. Ese espacio no existe en Invictus. El Mandela que presenta Eastwood es un prócer de enciclopedia. Peor suerte le toca al capitán de los Springboks, François Pienaard. Es comprensible que los líderes deportivos no estén dotados del don de la elocuencia, pero el caso del personaje que encarna Matt Damon es tan preocupante que uno no puede dejar de preguntarse por qué los guionistas no rompieron por lo menos alguna vez las reglas del apego histórico para sacar un poco más de jugo en alguna escena.

El film tiene sus momentos emocionantes, como los tiene cualquier telefilme de tema deportivo, si uno se deja llevar. Se llama Invictus, pero curiosamente es una derrota, si bien una menor, en la larga serie de victorias de Eastwood.

Manifiesto: En defensa de los derechos fundamentales en Internet

2009-12-03T10:21:00.000+01:00

Ante la inclusión en el Anteproyecto de Ley de Economía sostenible de modificaciones legislativas que afectan al libre ejercicio de las libertades de expresión, información y el derecho de acceso a la cultura a través de Internet, los periodistas, bloggers, usuarios, profesionales y creadores de internet manifestamos nuestra firme oposición al proyecto, y declaramos que…

1.- Los derechos de autor no pueden situarse por encima de los derechos fundamentales de los ciudadanos, como el derecho a la privacidad, a la seguridad, a la presunción de inocencia, a la tutela judicial efectiva y a la libertad de expresión.

2.- La suspensión de derechos fundamentales es y debe seguir siendo competencia exclusiva del poder judicial. Ni un cierre sin sentencia. Este anteproyecto, en contra de lo establecido en el artículo 20.5 de la Constitución, pone en manos de un órgano no judicial -un organismo dependiente del ministerio de Cultura-, la potestad de impedir a los ciudadanos españoles el acceso a cualquier página web.

3.- La nueva legislación creará inseguridad jurídica en todo el sector tecnológico español, perjudicando uno de los pocos campos de desarrollo y futuro de nuestra economía, entorpeciendo la creación de empresas, introduciendo trabas a la libre competencia y ralentizando su proyección internacional.

4.- La nueva legislación propuesta amenaza a los nuevos creadores y entorpece la creación cultural. Con Internet y los sucesivos avances tecnológicos se ha democratizado extraordinariamente la creación y emisión de contenidos de todo tipo, que ya no provienen prevalentemente de las industrias culturales tradicionales, sino de multitud de fuentes diferentes.

5.- Los autores, como todos los trabajadores, tienen derecho a vivir de su trabajo con nuevas ideas creativas, modelos de negocio y actividades asociadas a sus creaciones. Intentar sostener con cambios legislativos a una industria obsoleta que no sabe adaptarse a este nuevo entorno no es ni justo ni realista. Si su modelo de negocio se basaba en el control de las copias de las obras y en Internet no es posible sin vulnerar derechos fundamentales, deberían buscar otro modelo.

6.- Consideramos que las industrias culturales necesitan para sobrevivir alternativas modernas, eficaces, creíbles y asequibles y que se adecuen a los nuevos usos sociales, en lugar de limitaciones tan desproporcionadas como ineficaces para el fin que dicen perseguir.

7.- Internet debe funcionar de forma libre y sin interferencias políticas auspiciadas por sectores que pretenden perpetuar obsoletos modelos de negocio e imposibilitar que el saber humano siga siendo libre.

8.- Exigimos que el Gobierno garantice por ley la neutralidad de la Red en España, ante cualquier presión que pueda producirse, como marco para el desarrollo de una economía sostenible y realista de cara al futuro.

9.- Proponemos una verdadera reforma del derecho de propiedad intelectual orientada a su fin: devolver a la sociedad el conocimiento, promover el dominio público y limitar los abusos de las entidades gestoras.

10.- En democracia las leyes y sus modificaciones deben aprobarse tras el oportuno debate público y habiendo consultado previamente a todas las partes implicadas. No es de recibo que se realicen cambios legislativos que afectan a derechos fundamentales en una ley no orgánica y que versa sobre otra materia.

Este manifiesto, elaborado de forma conjunta por varios autores, es de todos y de ninguno. Si quieres sumarte a él, difúndelo por Internet.

Digresiones sobre El secreto de sus ojos

2009-08-26T22:25:00.001+02:00

Vimos esta película anoche. Un amigo me pido comentarios vía Facebook, pero como FB tiene un límite de 100 caracteres, los pongo acá.

Te digo lo que se me viene a la cabeza, así como surge: * El recurso de resignificar un caso policial "clásico" con el entorno político previo a la dictadura me hace acordar a Cercano Oeste, la novela del amigo Hamilton. Creo que la novela en la que se basa esta película se publicó más o menos para la misma época, hace tres o cuatro años. No sé si no estaremos frente a una nueva tendencia en este género. * Para mi gusto, demasiado humor intercalado en una historia que pretende ser oscura. En eso se le nota un exceso de preocupación por agradar. También en el popurrí de géneros (policial, cómico, dramático, romántico, testimonial, histórico, etc.) * Darín debería seguir los pasos de Francella y dejar de hacer de sí mismo. Rago por lo menos tiene la coartada de que le dieron un papel imposible. * Tiene sus cosas meritorias, pero definitivamente no es mi tipo de cine. De todos modos, ¡no seré yo quien levante la mano contra un film que incluye al glorioso estadio Tomás A. Ducó!

Visto en cine, febrero-mayo 2009

2009-05-23T22:50:00.001+02:00

El curioso caso de Benjamin Button
The Visitor
La historia completa de mis fracasos sexuales
El Luchador / The Wrestler
Vals con Bashir
La Pantera rosa 2
Los abrazos rotos
Gran Torino
Watchmen
Control
Monstruos contra alienigenas
Dragonball Evolution
Ponyo en el acantilado
Star Trek

Un Miyazaki en camino

2009-04-23T13:00:00.001+02:00

Digresiones sobre Monsters vs. Aliens (3D)

2009-04-04T18:29:00.003+02:00

Quizás es porque esperaba un desastre irrecuperable. Pero Monsters vs. Aliens no me pareció tan mala. Tampoco nada del otro mundo. Es un paso adelante para Dreamworks, si bien uno muy, muy pequeño. Es un alivio que no sea otra obra más en la tradición de "talking animals", aunque Dreamworks no logra remontar el grave problema de creatividad que tiene a la hora de diseñar gráficamente a sus personajes. Todos son copia pobre de algún cartoon pasado. Pero lo peor es que los antecedentes en los que se inspiran no cohesionan bien gráficamente entre sí. Es como si la película fuera un collage de dibujos de diferentes escuelas. Susan/Ginormica es demasiado parecida a la chica de Bee Movie. El Eslabón Perdido está claramente inspirado en los trazos de Dr. Seuss (al margen de un inquietante aire a Benicio del Toro). Y estoy seguro de haber visto a alguna criatura como el gelatinoso BOB en Monsters, Inc. Hasta los gestos mezquinos de Derek lucen muy cercanos a los del Woody de Toy Story cuando trata de engañar a sus amigos.

Dicho esto, el film es visualmente impactante (por lo menos en la version 3-D y tiene un humor disparatado en los diálogos que seguramente debe mucho a la presencia de Seth Rogen y Hugh Laurie en el reparto. La escena nocturna en la que los monstruos pasan un rato de fiesta en la casa de los padres de Susan tiene un logrado aire pesadillesco. Y aunque su argumento es de una obviedad escalofriante, está lleno de guiños cariñosos a la tradición de films de ciencia ficción clase B de los años 50, en particular Attack of the 50 Foot Woman. Prefiero Monsters vs. Aliens antes que KungFu Panda.

Frost/Nixon: cine psicológico disfrazado de cine político, con estructura de film de boxeo.

2009-02-15T22:59:00.001+01:00

* Nixon es la carnada. Convertido en punching ball político del siglo XX en los Estados Unidos (qué bueno ha sido para los guionistas de Hollywood que la vida misma se haya molestado en ponerles al alcance de la mano un presidente corrupto y renunciado que se pueda invocar sin culpas ni remilgos), la figura de Nixon garantiza atracción pública. Pero el film es, en realidad, sobre David Frost; es decir, sobre las razones que pueden haber impulsado a este David mediático y británico, frívolo y popular, de profesión tilingo televisivo, a batirse a duelo con el Goliath de la política noir, ya abatido pero en busca de revancha. Dos hombres que saben que la fama tiene fecha de caducidad y entonces van en busca de una trascendencia imposible.

* Esta película está muy bien en todos los frentes. Está muy bien escrita, muy bien fotografiada, muy bien montada. Y muy bien actuada. Frank Langella, como Nixon, se hace un festival. Si el Oscar tuviera algún sentido, él podría ganarlo. Con Michael Sheen, en el rol de Frost, pasa algo raro. Es el típico actor británico formado en el teatro y la televisión, excedido en gestos y declamación, pero de alguna manera parece ser que así son los británicos, por lo menos cuando hablan en público. Entonces resulta que los recursos de Frost, en este caso, le vienen bien al personaje. Alrededor de ellos, una barrera de secundarios soberbios: Rebecca Hall, perfecta Cachorra para este Isidoro inglés que es Frost; Oliver Platt y Sam Rockwell, en papeles fáciles pero bueno: los penales también hay que hacerlos. Si hasta Kevin Bacon está perfecto.

* El mayor desafío del cine político es penetrar el interior de sus personajes. Por dar un ejemplo, Good Night, and Good Luck no lo logra. Milk lo logra parcialmente. En este aspecto Frost/Nixon es un éxito.

* Mención aparte para el director, Ron Howard. El típico veterano de Hollywood al que la crítica suele calificar, con desprecio, de "artesano". Aunque su derrotero es el del trabajador disciplinado que tiene por objetivo mayor cumplir las expectativas de sus productores, Howard ya había dado detalles interesantes en curiosos films de género como Cocoon y Willow.

Visto en cine, febrero de 2009

2009-02-15T22:57:00.002+01:00

1. Cus-cus (La graine et le mulet, Francia, 2008)
2. Frost/Nixon: El desafío (Frost/Nixon, EE.UU., 2008)
3. Slumdog Millionaire (UK/India, 2008)

Films que quiero ver

2009-01-18T17:59:00.001+01:00

Visto en cine, enero de 2009

2009-01-17T13:48:00.001+01:00

1. Mi nombre es Harvey Milk (Milk, EE.UU., 2008)
2. La clase (Entre les murs, Francia, 2008)

Digresiones sobre Bolt y Chris Sanders

2009-01-04T22:29:00.007+01:00

En el post anterior sobre esta película mencioné el hecho de que originalmente fue un proyecto de Chris Sanders, el creadro de Lilo y Stitch, finalmente despedido cuando John Lasseter, el responsable de Pixar, se hizo cargo de todos los proyectos de animación en Disney.

Siguiendo en la web los pasos de Sanders tras este incidente, encontré dos datos interesantes. Primero, que ahora trabaja para Dreamworks. Segundo, que en sus ratos libres publica en su blog un cómic llamado Kiskaloo. En él se pueden apreciar varias marcas de estilo de Sanders: como en Lilo... la pareja protagónica está formada por una niña y una criatura de carácter incorregible, en este caso un gato. Un gato tuerto, además, lo que conecta esta obra con el borrador del guión de Bolt, donde había un personaje similar. En cualquier caso, el trazo de Sanders como ilustrador es muy agradable y el cómic, aunque de publicación irregular, merece atención.

Che, basta de argentinos

2008-12-29T10:36:00.006+01:00

De todos los enigmas geopolíticos contemporáneos pocos me asombran más que el entusiasmo de los españoles por los argentinos.

Uno de los síntomas más claros es la inclusión de voces argentinas en los doblajes para España de películas infantiles. Una larga tradición que se remonta a los buitres de El libro de la jungla, entre los cuales había uno de acento argentino, y que llega hasta nuestros días en personajes como el mosquito de Bee Movie o las palomas tontas de Bolt.

Francamente, de tanto usarlo, el recurso ha perdido gracia.

Sobre Rachel Getting Married y Margot at the Wedding

2008-12-28T20:22:00.007+01:00

Rachel Getting Married y Margot at the Weeding son tan parecidas que es una pena que no sean la misma película. Así podríamos ver juntos a Jack Black y Anne Hathaway, los dos actores más interesantes de la escena cinematográfica estadounidense actual, digamos, semimainstream.

Visto en 2008: Esto no es un ránking

2008-12-28T13:45:00.003+01:00

A diferencia de otros infojunkies de mi generación, no soy afecto a los ránkings. Pero hace un par de años que mantenemos con Gabriela un buen ritmo de idas al cine (en el listado de abajo hay 51 títulos, lo que supone una media de casi una película por semana este año); y particularmente en 2008 tengo la sensación de que hemos visto muchas cosas buenas, así que he querido, si no ordenarlas, por lo menos agruparlas por el interés y la satisfacción que me han dado.

De los once grupos resultantes, solo el último está integrado por películas que, tras haberlas visto, hubiera preferido no ver. En todas las demás he encontrado algo de valor, y en algunos casos lo he reseñado en este blog, según consta en los enlaces adjuntos.

Todo lo hemos visto en salas de Madrid (excepto Knocked Up, que vimos tardíamente en DVD) y en versión original subtitulada (excepto las infantiles, por mandato familiar).

1.

4 meses, 3 semanas, 2 días (4 Luni, 3 Saptamini si 2 Zile, Rumania) [1]

Rebobine por favor (Be Kind Rewind, EE.UU)

WALL*E (EE.UU., 2008) [1]

2.

El nido vacío (Argentina, 2008)

Iron Man (EE.UU, 2008)

La banda nos visita (The Band's Visit, Israel/UK) [1]

Lío embarazoso (Knocked Up, EE.UU., 2008) [1]

3.

Juno (Canada, 2008) [1]

Los falsificadores (Die Fälscher, Austria)

Tropa de Elite (Brasil, 2007)

4.

El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, EE.UU., 2007)

Encarnación (Argentina, 2007) [1]

Gomorra (Italia, 2008)

La boda de Rachel (Rachel Getting Married, EE.UU. 2008)

Margot y la boda (Margot at the Wedding, EE.UU., 2007)

No es país para viejos (No Country For Old Men, EE.UU, 2007)

Quemar después de leer (Burn After Reading, EE.UU., 2008)

5.

El caballero oscuro (The Dark Knight, EE.UU., 2008)

El increíble Hulk (The Incredible Hulk, EE.UU., 2008)

Happy: un cuento sobre la felicidad (Happy-Go-Lucky, UK, 2008) [1]

6.

Aleksandra (Rusia, 2007)

En un mundo libre (It's a Free World, UK)

Mil años de oración (A thousand years of good prayers, China/EE.UU) [1]

Vicky Cristina Barcelona (EE.UU./España, 2008)

7.

Aliento (Corea del Sur, 2008)

Asfixia (Choke, EE.UU., 2008)

El Súper Agente 86 (Get Smart, EE.UU., 2008)

Horton (Dr. Seuss' Horton Hears a Who, EE.UU.)

La familia Savages (The Savages, EE.UU)

Sweeney Todd, el barbero demoníaco de la calle Fleet (Sweeney Todd, The Demon barber of Fleet Street, EE.UU., 2008)

Viaje a Darjeeling (The Darjeeling Limited, USA, 2008) [1]

The Spirit (EE.UU., 2008)

8.

Antes que el diablo sepa que estás muerto (Before the Devil Knows You're Dead, EE.UU., 2007) [1]

Caos Calmo (Italia, 2008)

Shine A Light (UK/EE.UU) [1]

9.

Bolt 3D (EE.UU. 2008) [1]

Las crónicas de Spiderwick (The Spiderwick Chronicles, EE.UU.)

Kung-Fu Panda (EE.UU., 2008)

10.

Che, el argentino (EE.UU/España, 2008)

Expiación (Atonement, USA/UK)

La isla de Nim (Nim's Island, EE.UU., 2007)

Papá por sorpresa (The Game Plan, EE.UU)

Australia (Australia, 2008)

11.

Astérix en los Juegos Olímpicos (Astérix aux Jeux Olympiques, Francia)

El patito feo y yo (Den grimme ælling og mig, Francia-Dinamarca, 2006)

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal (Indiana Jones And The Kingdom Of The Crystal Skull, EE.UU., 2008)

La Momia: La Tumba del Emperador Dragón (EE.UU, 2008)

Los girasoles ciegos (España, 2008)

Pozos de ambición (There Will Be Blood, EE.UU)

Soy leyenda (I Am Legend, EE.UU.)

Transsiberian (España/UK/Lituania/Alemania, 2008)

El perro de Pixar

2008-12-27T22:09:00.009+01:00

Bolt marca el paso a la madurez de Pixar, ahora que se ha hecho, a través de su capo di tutti capi John Lasseter, cargo de la animación en Disney. Madurez no en el sentido de trascendencia artística que la crítica suele dar a este término (y que Pixar alcanzó hace tiempo), sino en el sentido que tiene en el mundo de los negocios: sentar cabeza.

Este proceso se mostró tempranamente en Los Increíbles, el primer film de Pixar del cual puede decirse (más allá de sus méritos) que no es una creación original sino una remezcla de lugares comunes del género infantil.

Una de las pruebas de este coming of age fue el despido, durante la producción de Bolt, de quien iba a ser el director de la obra, Chris Sanders. No es que fuera la primera vez que Lasseter tomaba la decisión de apartar a un director para garantizar el resultado de un proyecto. Ya lo había hecho poniendo a Brad Bird en lugar de Jan Pinkava durante el rodaje de Ratatouille. La diferencia es que, mientras Pinkava es un relativo desconocido -un veterano empleado de Pixar que había dirigido uno de sus cortos, Geri's Game-, Sanders es el creador de Lilo & Stitch, un artista polifacético que firmó el canto del cisne de la animación tradicional en Disney.

La historia y los personajes originales ideados por Sanders para lo que terminó siendo Bolt eran, ciertamente, menos comerciales que el resultado: un perro estrella de cine, perdido en el desierto de Nevada, acompañado por un gato tuerto y un superconejo radiactivo, en lugar del viaje a través de Estados Unidos, la gatita rebelde y el hámster escudero. Aquí, unos ejemplos de los diseños originales de Sanders (via Pop Culture Buzz).

Bolt no es una mala película, pero para tratarse del primer film de Disney bajo el pleno control creativo de Pixar soprende por carecer de uno de los ingredientes que precisamente convirtieron a Pixar en los amos del género: la vocación de hacer una obra maestra en cada film. En Bolt, la única fuerza motora es la que mueve a los perros verdaderos: la de agradar. Tengo la tentación de decir aquí que Pixar se ha domesticado, pero la verdad es que quien menea la cola y saca la lengua es Disney. Me pregunto si Lasseter habría entregado un producto así con la firma de su estudio, o si en su visión estratégica de este monstruo bicéfalo que es la suma de Disney y Pixar, el primero es un clase B destinado a traer el morfi a casa y el segundo, el responsable de cambiar la historia del cine.

Pixar reserva su denominación de origen para historias de seres orgullosos de su condición de únicos, desde Buzz Lightyear hasta el Remy de Ratatouille, pasando por Rayo McQueen y la familia de Los Increíbles. Y deja para sus patrones la historia de un perro que se cree único y debe aprender que no lo es.

Curioso destino para Disney, que fue quien compró Pixar, y no al revés.

¿Y a estos quién los vigila?

2008-12-25T14:40:00.002+01:00

La justicia estadounidense da la razón a Fox en su disputa con Warner por Watchmen.

Insólito. Fox pelea por recuperar derechos que, cuando los tuvo, no los utilizó. Pero lo más increíble es que ahora quiere recuperarlos para volver a NO utilizarlos; es decir, para que la película que no quiso, pudo o supo hacer (y que warner hizo en su lugar) no se estrene.

La industria de la cultura, o como sea que se llame esto, ya no se conforma en tratar a sus clientes como criminales. Ahora lo hace también con sus colegas.

Digresiones sobre Knocked Up

2008-12-21T20:51:00.003+01:00

Este fin de semana cambiamos salida al cine por DVD en casa, algo a lo que Gabriela y yo nos resistimos. Pero en esta ocasión estábamos cansados y era una oportunidad para ponerse al día con estrenos perdidos. Como admirador del Frat Pack y, en particular, de su Junior Varsity, estaba en deuda con Knocked Up. La deuda viene del hecho de que en Madrid confunden las comedias macarras con comedias para macarras y, en consecuencia, las estrenan dobladas al castellano (o a lo sumo ponen una copia subtitulada en los Ideal) porque se asume que los macarras madrileños no hablan inglés o no quieren leer subtítulos.

Knocked Up, claro, es fantástica, pero lo que quiero comentar son un par de digresiones. Las películas que me gustan suelen estar cargadas de detalles secundarios pero interesantes, que me llevan a investigar en internet y terminan por hacerme perder en sitios inesperados.

En este caso, Loudon Wainwright III (el papá de Rufus y Martha) hace un cameo en el papel de un ginecólogo, y también compuso e interpretó varias canciones para el film. Aunque el film tiene numerosas canciones pop de diversos autores e intérpretes, el soundtrack editado en disco no es la típica recopilación, sino que es un álbum firmado por Wainwright (de hecho, lleva un título distinto al del film y ni siquiera tiene el afiche en su portada) y centrado en sus aportes al film. Algunos temas que aparecen en la película en versión instrumental recuperan sus letras en el álbum, que cuenta con la colaboración de Van Dyke Parks. (Todos de pie.)

Derivada: La película cierra con una hermosa canción a cargo de LWIII, Daughter, un cover de Peter Blegvad. (Se puede consultar la letra aquí.) Leyendo sobre Blegvad en la Wikipedia descubro que también es dibujante y que en los años 90 publicó en el diario británico The Independent una curiosa historieta sobre un bebé llamado Leviathan. Algunas tiras se pueden disfrutar aquí.

Visto en cine, diciembre de 2008

2008-12-06T23:31:00.003+01:00

1. Asfixia (Choke, EE.UU., 2008)
2. Bolt (3D) (Bolt 3D, EE.UU., 2008)
3. Australia (Australia, 2008)
4. The Spirit (EE.UU., 2008)

Visto en cine, noviembre de 2008

2008-11-10T09:29:00.002+01:00

1. La boda de Rachel (Rachel Getting Married, EE.UU. 2008)
2. Transsiberian (España/Reino Unido/Lituania/Alemania, 2008)
3. Gomorra (Italia, 2008)

Happy-Go-Lucky

2008-10-17T09:26:00.003+02:00

Sally Hawkins ganó el Oso de Plata en Berlín por su papel de maestrita feliz en este film de Mike Leigh. Incuestionable, pero ¿por qué nadie premia a Eddie Marsan, que con el muy secundario papel de un profesor de manejo al borde de la sociopatía se convierte en coprotagonista virtual de la película? ¡SIX SIX SIX!

Visto en cine, octubre de 2008

2008-10-17T09:18:00.003+02:00

1. Los girasoles ciegos (España, 2008)
2. Happy: un cuento sobre la felicidad (Happy-Go-Lucky, Reino Unido, 2008)
3. Quemar después de leer (Burn After Reading, EE.UU., 2008)
4. El nido vacío (Argentina, 2008)

Visto en cine, septiembre de 2008

2008-09-23T10:44:00.002+02:00

1. El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, EE.UU., 2007)
2. La isla de Nim (Nim's Island, EE.UU., 2007)
3. Che, el argentino (EE.UU/España, 2008)
4. Vicky Cristina Barcelona (EE.UU./España, 2008)

¿Quién vigila a los estudios?

2008-08-20T16:47:00.003+02:00

Llegan noticias vía BBC sobre una demanda de Fox contra Warner Bros. para frenar el estreno de la versión cinematográfica del cómic Watchmen, dirigido por Zack Snyder.

Si algo le faltaba a Watchmen para alcanzar el status de film maldito, era esto. El proyecto ha pasado de estudio en estudio (Fox, Universal, Paramount, Warner) y de mano en mano (Terry Gillian, Darren Aronofsky, Paul Greengrass, Snyder) durante 20 años, prácticamente desde que se editó la serie de doce episodios de esta magistral historieta escrita por Alan Moore y dibujada por Dave Gibbons. Para colmo, Moore, instisfecho con lo que Hollywood hace con sus historias, se ha mantenido al margen del proyecto. No es de sorprender, entonces, que con semejante lío haya más de uno que se crea padre de la criatura.

Lo que sí sorprende es que Fox haya esperado hasta ahora, cuando el film está finalmente rodado, editado y en espera de estreno en junio de 2009, para presentar su reclamo judicial. Mirá que había tiempo para esto. Warner lleva más de dos años en el tema con Snyder al frente, y hay una considerable cantidad de fans en todo el mundo interesados en conocer el resultado del quijotesco desafío de llevar al cine una obra tan compleja, al margen de que la iniciativa es una falta de respeto para los centenares de personas que trabajaron en la realización de la película. Pero el objetivo declarado de fox es "bloquear el estreno del film". Parece mentira que un estudio de cine, que debería dedicarse a hacer películas, se dedique a que estas no se hagan o a que, una vez hechas, no se vean.

Visto en cine, agosto de 2008

2008-08-03T17:18:00.003+02:00

1. Tropa de Elite (Brasil, 2007)
2. WALL*E (EE.UU., 2008)
3. La Momia: La Tumba del Emperador Dragón (EE.UU, 2008)
4. El caballero oscuro (The Dark Knight, EE.UU., 2008)

Visto en cine, julio de 2008

2008-07-05T17:00:00.003+02:00

1. Aliento (Corea del Sur, 2008)
2. Kung-Fu Panda (EE.UU., 2008)
3. El Súper Agente 86 (Get Smart, EE.UU., 2008)

Before the Devil Knows You're Dead

2008-06-29T13:07:00.002+02:00

Lo mejor que puedo decir del último film de Sidney Lumet es que no parece un film de Sidney Lumet, en el sentido de que no parece un film hecho por un director de 82 años. Cualquiera que viera esta obra sin saber quién es el director, la adjudicaría a algún debutante de la generación post-Tarantino, probablemente fogueado en el videoclip o el montaje publicitario. Esto, según cómo se mire, es bueno o es malo. Como los propios personajes de su película, Lumet se vuelve él mismo, con este título, un personaje difícil de etiquetar. Sin embargo, esta película -que ha sido un pequeño éxito de contraprogramación en la taquilla española- me parece una obra menor dentro de una filmografía muy despareja.

Policial "sucio" estadounidense que respeta las reglas del cine indie: no solo no hay policías a la vista, sino que es difícil encontrar un solo personaje que se acerque a lo que el público llamaría "bueno". Aquí son todos "malos", por acción o por omisión. No me opongo al principio, pero el cine indie lo practica con tanta sumisión que la falta de bondad empieza a convertirse en un estereotipo.

Hay vidas miserables, sueños de segunda categoría, codicia, sexo, drogas, engaños, todo conducid por gente cuyos deseos están muy lejos de sus capacidades. También hay, como corresponde, actores de fama y prestigio dispuestos a trabajar, en busca de mayor prestigio, en un film de bajo presupuesto por dos duros. Y, claro, una narración fragmentada, con saltos hacia atrás y adelante en el tiempo, mandato supremo de Quentin Tarantino al refundar el género en los años 90, elevado al absurdo por Alejandro González Iñárritu y otros en el siglo XXI. En este caso, la ruptura temporal tiene una excusa: los personajes ya están tan fatalmente hundidos al comienzo de la película que está claro que, hagan lo que hagan, su único destino es hundirse más. Una narración lineal habría hecho, probablemente, más insoportable esta condición.

En esta línea de policiales independientes superfatalistas, sigo prefiriendo un film olvidado de 1995, Things to Do in Denver When You're Dead, cuya similitud evidente con el título del film de Lumet sugiere el reconocimiento de una influencia. Lo que los diferencia es la relación del creador con sus personajes: frente a la abrumadora frialdad de Lumet, Gary Fleder contempla a sus criaturas inevitablemente perdidas con un cariño melancólico que agrega una dimensión poética al relato.

En cuanto a los actores, Philip Seymour Hoffman me deja pensando una vez más si será capaz de hacer de persona normal alguna vez. Ethan Hawke me deja pesando en el galán que pudo haber sido. Y Marisa Tomei me deja pensando.

Encarnación (Argentina, 2007)

2008-06-18T22:41:00.002+02:00

Cada persona a la que le digo el título de esta película cree que es de terror. Pero no, no es de terror. Cine indie argentino, con una narrativa sencilla, que, pese a ser naturalista, es al costumbrismo lo que en el mundo de la música el anti-folk es al folk. Una manera de contar, unos personajes y un escenario (esto, en la segunda mitad del film) que recuerdan al primer Pablo Trapero, pero en clave femenina (dirige Anahí Berneri). La vuelta de tuerca referencial (es la historia de una vedette argentina en decadencia, interpretada por una vedette argentina en decadencia) excitará a psicólogos, semiólogos y sociólogos, pero lo que importa es que Silvia Pérez hace su papel a la perfección y, para mayor abundancia, rodeada de un elenco de muy buen nivel. Los caminos del arte son inescrutables.

Visto en cine, junio de 2008

2008-06-18T22:26:00.006+02:00

1. Encarnación (Argentina, 2007)
2. El patito feo y yo (Den grimme ælling og mig, Francia-Dinamarca, 2006)
3. Caos Calmo (Italia, 2008)
4. Margot y la boda (Margot at the Wedding, EE.UU., 2007)
5. El increíble Hulk (The Incredible Hulk, EE.UU., 2008)

Visto en cine, mayo de 2008

2008-06-06T10:06:00.003+02:00

1. Iron Man (EE.UU, 2008)
2. Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal (Indiana Jones And The Kingdom Of The Crystal Skull, EE.UU., 2008)
3. Antes que el diablo sepa que estás muerto (Before the Devil Knows You're Dead, EE.UU., 2007)
4. Aleksandra (Rusia, 2007)

Real People

2008-04-19T17:29:00.003+02:00

Hace un par de veranos, cenando en Buenos Aires con Lingenti y amigos, Fabián Casas nos contó de un viaje que había hecho a los Estados Unidos. Nos contó que lo invitaron a una fiesta de intelectuales y artistas en un departamento. Creo que fue en Nueva York. De todos los detalles desopilantes de su relato recuerdo especialmente que un personaje iba recorriendo la fiesta agarrándose la cabeza y gritando: "Real people! I want to see REAL people!".

A veces, de tanto ir al cine a ver películas estadounidenses, tengo la misma sensación que la del tipo de la fiesta de Casas. Por suerte, en las últimas semanas Gabi y yo hemos ido a ver películas de Rumania, Israel, Austria y China, donde todo -los actores, las historias, la manera de narrar- es más real. Real no en el sentido de sumisión a la percepción de realidad. Real en el sentido que un yanqui aturdido le puede dar a esta palabra cuando, asqueado de su realidad pactada, te agarra por la solapa en una fiesta.

Nadie recuerda sus nombres. Los paparazzi no los persiguen. No han ganado ningún Oscar, gracias a Dios. Pero son real people, y actores reales también. La rumana Anamaria Marinca (4 meses, 3 semanas, 2 días; otra que Cate Blanchett), los israelíes Sasson Gabai y Ronit Elkabetz (La banda nos visita) y el chino Henry O (Mil años de oración).

Visto en cine, abril de 2008

2008-04-19T11:40:00.005+02:00

La banda nos visita (The Band's Visit, Isreal/UK)
Shine A Light (UK/EE.UU)
Mil años de oración (A thousand years of good prayers, China/EE.UU)
Papá por sorpresa (The Game Plan, EE.UU)
Rebobine por favor (Be Kind Rewind, EE.UU)
La familia Savages (The Savages, EE.UU)

Shame a Light

2008-04-13T21:30:00.004+02:00

Se puede ser Martin, y ser Scorsese y todo. Se puede tener la oportunidad de filmar a los Stones y sumar tu propia inimputabilidad artística a la de ellos. Pero lo que no se puede, lo que no se puede hacer es tener un fotógrafo celestial (Robert Richardson) filmando cinco horas de concierto perfectamente iluminadas y luego hacer este afiche.

¡En Madrid no se consigue!

2008-03-23T18:03:00.013+01:00

Un videoclub "automático" en Girona. Uno de esos engendros transicionales en los que la gente opera unos cajeros automáticos que, en lugar de dinero, entregan DVDs. El dueño de ese sitio frío e impersonal, supuestamente orientado a la distribución del cine más taquillero, ha elegido llamar a su local con el título de un film francés "maldito". Hasta ha preservado el diseño original que el nombre tenía en el afiche del film. Un guiño que probablemente se perderán la mayoría de los clientes de este local. Tenía que ser en Cataluña ;-)

Visto en cine, marzo de 2008

2008-03-10T21:55:00.007+01:00

En un mundo libre (It's a Free World, UK)
Horton (Dr. Seuss' Horton Hears a Who, EE.UU.)
Pozos de ambición (There Will Be Blood, EE.UU)
Las crónicas de Spiderwick (The Spiderwick Chronicles, EE.UU.)
Los falsificadores (Die Fälscher, EE.UU.)

Visto en cine, febrero de 2008

2008-02-17T16:05:00.009+01:00

Juno (Canada)
Sweeney Todd, el barbero demoníaco de la calle Fleet (Sweeney Todd, The Demon barber of Fleet Street)
Astérix en los Juegos Olímpicos (Astérix aux Jeux Olympiques, Francia)
No es país para viejos (No Country For Old Men, EE.UU)
4 meses, 3 semanas, 2 días (4 Luni, 3 Saptamini si 2 Zile, Rumania)

Juno no existe

2008-02-08T19:24:00.000+01:00

Anoche hemos visto Juno con Gabriela. Hoy escucho a gente que llama a la Cadena SER para quejarse de que, si bien la película es simpática, el personaje central, que encarna la joven Ellen Page, "no es real". "No puede existir una chavala así, tan pequeña y con esa manera de hablar". ¿Y? No entiendo. ¿Desde cuándo la realidad es requisito en el arte? ¿Existe alguien como el Quijote? ¿Hay algún vagabundo como Chaplin? O, por nombrar un ejemplo más cercano a los intereses y las expectativas del público local, ¿es creíble el villano que hace Javier Bardem en No country for Old Men? No sé si Juno es una buena película, pero su vaga relación con la vaga percepción que tenemos de esa vaga entidad tan poco real que, por pura pereza, llamamos realidad no debería ser materia de ningún juicio crítico.

A falta de subtítulos

2008-02-03T23:32:00.000+01:00

El doblaje es la remake que practican los pueblos de bajo presupuesto.

Visto en cine, enero de 2008

2008-01-19T17:12:00.001+01:00

Soy leyenda (I Am Legend, USA)
Viaje a Darjeeling (The Darjeeling Limited, USA)
Expiación (Atonement, USA/UK)

Más sobre La brújula dorada

2008-01-12T17:06:00.000+01:00

Transcribo el remate de un ensayo de Sophie Gee publicado hoy en el New York Times:

"Homero fue reescrito por Virgilio, quien fue reescrito por Dante, quien fue reescrito por Milton, quien fue reescrito por (Philip) Pullman (autor de His Dark Materials, la trilogía literaria e la cual se basa el film). New Line Cinema ha reescrito a Pullman (a un costo de 180 millones de dólares). Es una pena que se haya dejado todas las partes tristes y heréticas —todo lo que da filo a Pullman— en la sala de montaje."

Soy leyenda

2008-01-05T15:26:00.000+01:00

Después de ver el triste malentendido que es la tercera versión cinematográfica de Soy leyenda, vagabundeo un poco por internet buscando información sobre Richard Matheson y la novela. Una página particularmente interesante, http://www.iamlegendarchive.com, tiene una colección de portadas de diversas ediciones del libro alrededor del mundo. En ellas se aprecia la dificultad de los editores para presentar ante los lectores el relato, a caballo entre la ciencia-ficción y el terror, con la mayoría de las carátulas definiéndose por este último género. De todas las portadas allí expuestas, me quedo con este modelo clásico de las primeras ediciones estadounidenses; esta versión más moderna, con vampiros alla Nosferatu; esta, más abstracta; y esta edición italiana con aliento de cómic, que, más allá de la absurda traducción del título como I vampiri, tiene una imagen que resume el espíritu de todo el libro.

La brújula dorada

2007-12-16T17:32:00.000+01:00

Esta película marca un nuevo horizonte en el desarrollo de los efectos especiales y la animación digital, sobre todo por las hazañas logradas en el rostro de Nicole Kidman. Pensar que las estrellas de antaño se conformaban con tener un iluminador personal. ¿Será un efecto colateral del uso excesivo del Brain Training en la Nintendo DS?

Visto en cine, 2007

2007-12-07T16:16:00.001+01:00

Puesto a repasar lo que he visto durante 2007, esta es la lista. Salvo donde hay asteriscos, se trata de películas vistas en salas de cine españolas, en versiones originales subtituladas. Los asteriscos indican películas vistas en DVD.

María Antonieta (Marie Antoinette, EE.UU.)
Shortbus (Shortbus, EE.UU)
Cartas de Iwo Jima (Letters from Iwo Jima, EE.UU.)
Un puente hacia Terabithia (A Bridge to Terabithia)
Diario de un escándalo (Notes on a Scandal, UK)
La telaraña de Carlota (Charlotte's Web, EE.UU.)
Zodiac (Zodiac, EE.UU)
Piratas del caribe. En el fin del mundo (Pirates of the Caribbean: In The End of The World, EE.UU.)
Half Nelson (Half Nelson, EE.UU.)
Memorias de Queens (A guide to Recognizing your Saints, EE.UU.)
Érase una vez... un cuento al revés
Harry Potter y la Orden del Fénix (Harry Potter and The Order of The Phoenix, EE.UU.)
Shrek Tercero (Shrek The Third, EE.UU.)
Spider-man 3
(Spider-man 3, EE.UU.)
Los Simpson. La pelicula (The Simpsons. The Movie, EE.UU.)
300 (300, EE.UU.)
Noche en el museo (Night at The Museum, EE.UU.)
Babel (Babel, EE.UU.)
La vida de los otros (Das Leben der Anderen, Alemania)
Disturbia
Ratatouille
Locos por el surf (Surf's Up, EE.UU.)
Oviedo Express (Oviedo Express, España)
El ultimátum de Bourne
Un funeral de muerte (Death At A Funeral, UK)
Promesas del Este
El orfanato (El orfanato, España)
Once (Once, Irlanda)
Los muertos (Los muertos, Argentina) *
La zona (La zona, México)
Encantada, la historia de Giselle
Persépolis (Persepolis, Francia)
La señal (La señal, Argentina)
Bee Movie
El asesinato de Jesse James por el cobarde Bob Ford (The Assasination of Jesse James by The Coward Bob Ford, EE.UU.)
La brújula dorada (The Golden Compass, EE.UU.)
Alvin y las ardillas (Alvin and the Chipmunks, EE.UU.)
Deseo, peligro (Lust, Caution, China)
Transformers (Transformers, EE.UU.) *
Supersalidos (Superbad, EE.UU.) *
Hot Rod (Hot Rod, EE.UU.)*

Encantada, la historia de Giselle

2007-12-07T10:19:00.000+01:00

No muchos saben que la protagonista del último film de Disney tuvo su primera gran oportunidad hace un par de años en un film independiente llamado Junebug. Lo curioso es que aunque todo es distinto entre estas dos obras (la historia, la trama, el género, el estilo, el presupuesto), el rol de Adams en las dos es prácticamente idéntico.

En Junebug Adams es una chica de un pueblito perdido en Carolina del Norte, infelizmente casada con un macho de aldea rayano en el autismo, y para colmo embarazada. El grotesco buen humor con el cual esta chica intenta desesperadamente negar la realidad que la sitia la ponen en el ámbito de la psiquiatría. En Encantada, por diferentes razones argumentales, Adams se encuentra en un situación muy similar, y es curioso ver cómo en un entorno tan diferente esta actriz compone su personaje con los mismos recursos expresivos que utilizó en Junebug (y que le valieron una nominación al Oscar.)

Ahora recuerdo que también tuvo un pequeño papel en Catch Me if You Can, como una inocente esposa del estafador que encarna Leonardo DiCaprio. Allí también se empeña en creer en la fantasía que le ofrece su pareja. ¿Está condenada esta actriz a hacer de cándida? Hollywood suele ser inflexible a la hora de encasillar intérpretes.

Promesas del Este, de David Cronenberg

2007-12-07T09:38:00.000+01:00

¿Adónde va Cronenberg? Ahora que todo el mundo hace films de terror, él, que tenía el tema dominado, se mueve hacia el policial. Como muestra del género, está bien, pero lo que en sus obras de terror lucía sutil, aquí parece exagerado, a veces hasta el punto de la risa. Da la impresión de que todavía está estudiando las palancas del género, ya sea para utilizarlas o romperlas. Se echa de menos la intensidad con que comunicaba la monstruosa dimensión interior de sus personajes.

Bee Movie

2007-12-01T17:11:00.000+01:00

Seinfeld haciendo de abeja. Dios mío. En su esfuerzo por agradar a los chicos y a sus padres, hay obras infantiles que se arriesgan a no agradar a nadie.

Darjeeling Kinks

2007-11-06T15:44:00.000+01:00

Una de las grandes noticias musicales de los últimos meses: Wes Anderson ha incluido tres canciones de los Kinks en la banda de sonido de su último film, The Darjeeeling Limited. Anderson es el rey de la fórmula indie de armar bandas de sonido en base a cantautores de culto, así que esta decisión no debería sorprender.

De todos modos, en cada nuevo film este director ha ido sofisticando la receta. Si The Royal Tenenbaums marca el estándar con Van Morrison, Paul Simon, The Clash, Dylan, Nico, los Ramones, Elliott Smith y la Velvet, The Life Aquatic with Steve Zissou da una vuelta de tuerca listando clásicos de David Bowie cantados en versiones acústicas en portugués por el brasileño Seu Jorge, además miembro del elenco del film.

El hecho de que la banda de The Darjeeling Limited dé todavía un paso más allá y esté mayormente compuesta por extractos instrumentales de otras bandas de sonido (del bengalí Satyajit Ray), algo de música clásica y un track suelto de los Stones (Play with Fire) no hace sino resaltar el valor que con el tiempo ha ido cobrando la obra de The Kinks. Las tres canciones vienen de uno de sus álbumes más populares, el brillante Lola versus Powerman and the Moneygoround, Part One, pero ninguna fue un éxito: Strangers, This Time Tomorrow y Powerman. Strangers, que tiene el encanto adicional de haber sido escrito por Dave Davies, es sencillamente mi canción Kink favorita. Junto con This Time Tomorrow, tienen el curioso encanto de contener unas secuencias de acordes extremadamente sencillas y ambiguas a la vez.

(No sé cómo definir adecuadamente esto, pero en los Kinks hay una forma especial de combinar los tres o cuatro acordes típicos de cualquier canción de una manera pegadiza sin ser obvia, agridulce y evocativa a la vez, como si los arpegios dudaran antes de sucederse. Genial para cualquier road movie porque son sonidos que parecen estar marcando el devaneo propio del viajero. En algún sitio leí, no recuerdo dónde, que esa es una virtud de los músicos que no han recibido una formación académica: la capacidad de descubrir juegos sonoros evidentes y usarlos con pasión amateur como piezas para construir algo único. Eso es un riff.)

En todo caso, es justicia. Los Kinks -es decir, esa banda que brilló con fuerza enceguecedora durante cuatro o cinco años a finales de los años sesenta y principios de los setenta, no la larguísima tragicomedia que los hermanos Davies interpretaron durante décadas hasta el aburrimiento- merecen esto. Ojalá muchas personas puedan escuchar por primera vez estas tres canciones gracias a esta película.

Disturbia

2007-10-16T17:08:00.000+02:00

El gran Brian De Palma hizo algunas de sus mejores películas releyendo, robando, parodiando, homenajeando en clave contemporánea (contemporánea de aquellos años, los 70 y los 80) la obra de Hitchcock. Resultó ser que los elementos de la sociedad contemporánea de entonces (la industria del cine porno, el terror barato), por lo menos tal como los presentaba De Palma, tenían el curioso efecto de dar nueva vida al universo de Hitchcock. Con Disturbia ocurre todo lo contrario: un argumento calcado de La ventana indiscreta, expuesto a los personajes y el contexto de la vida moderna, pierde todo rastro de gracia. No está claro si es un problema del director, de la vida moderna o de ambos.

Una ducha para Jason Bourne

2007-09-07T11:00:00.000+02:00

The Bourne Ultimatum (2007): Sí, sí. Es interesante ver cómo la progresía hollywoodense ha subvertido la conservadora saga de espionaje de Robert Ludlum hasta convertir a su protagonista en un héroe de izquierdas, pero... ¿Será verdad que el agente Bourne nunca se cambia de ropa? Deberían encontrarlo por el olor.

Un spoiler moral: el discurso final de Ratatouille

2007-08-15T12:18:00.000+02:00

ATENCIÓN: Este post contiene la transcripción del discurso final del crítico Anton Ego en Ratatouille. Estén todos avisados: Su lectura revela elementos claves del argumento de ese film. Lo incluyo en Teatro Filmado porque, aunque no soy afecto a las narraciones en off, esta es de una particular belleza y significado, y creo que merece estar al alcance de la mano.

Primero va la transcripción literal en inglés (fuente: Rotten Tomatoes) y luego mi humilde transcripción al castellano.

................................................................
"In many ways, the work of a critic is easy. We risk very little yet enjoy a position over those who offer up their work and their selves to our judgment. We thrive on negative criticism, which is fun to write and to read. But the bitter truth we critics must face is that, in the grand scheme of things, the average piece of junk is more meaningful than our criticism designating it so. But there are times when a critic truly risks something, and that is in the discovery and defense of the new.

Last night, I experienced something new, an extraordinary meal from a singularly unexpected source. To say that both the meal and its maker have challenged my preconceptions is a gross understatement. They have rocked me to my core.

In the past, I have made no secret of my disdain for Chef Gusteau's famous motto: Anyone can cook. But I realize that only now do I truly understand what he meant. Not everyone can become a great artist, but a great artist can come from anywhere. It is difficult to imagine more humble origins than those of the genius now cooking at Gusteau's, who is, in this critic's opinion, nothing less than the finest chef in France. I will be returning to Gusteau's soon, hungry for more."

................................................................
"En muchos sentidos, el trabajo de un crítico es fácil. Arriesgamos muy poco y, sin embargo, disfrutamos de nuestra supuesta superioridad sobre aquellos que someten a nuestro juicio su vida y su obra. Disfrutamos con las críticas negativas, que son divertidas de escribir y de leer. Pero la amarga verdad que los críticos debemos enfrentar es que, en el gran plan de las cosas, cualquier vulgar pieza de basura tiene más significado que la crítica que escribimos para descalificarla.

Pero hay ocasiones en las cuales un crítico verdaderamente se arriesga en el descubrimiento y la defensa de algo nuevo. Anoche disfruté de algo nuevo: una cena extraordinaria, procedente de una fuente singular e inesperada. Decir que ese plato y su creador han desafiado mis prejuicios es subestimar groseramente lo ocurrido. Me han conmovido hasta la médula.

En el pasado no he ocultado mi desprecio por la famosa frase del Chef Gusteau: cualquiera puede cocinar. Pero no ha sido hasta ahora que he sido capaz de entender realmente lo que quería decir: no cualquiera puede ser un gran artista, pero un gran artista puede surgir de cualquier lugar. Es difícil imaginar orígenes más humildes que aquellos del genio que cocina ahora en el restaurante de Gusteau, quien es, en la opinión de este crítico, nada menos que el mejor chef de Francia. Retornaré pronto a lo de Gusteau, con hambre de más."

Los films de Pixar, ordenados por...

2007-08-11T15:45:00.000+02:00

... cronología:
1. Toy Story (1995)
2. A Bug's Life (1998)
3. Toy Story 2 (1999)
4. Monsters, Inc. (2001)
5. Finding Nemo (2003)
6. The Incredibles (2004)
7. Cars (2006)
8. Ratatouille (2007)

... recaudación mundial en cines:
1. Finding Nemo US$866.914.978
2. The Incredibles US$631.437.578
3. Monsters, Inc. US$525.370.172
4. Toy Story 2 US$485.828.782
5. Cars US$461.782.982
6. A Bug's Life US$358.000.000
7. Toy Story US$356.800.000
8. Ratatouille US$274.675.000

Obviamente, Ratatouille recién acaba de empezar su recorrido en salas, así que es de esperar que escale varias posiciones en los próximos meses.

... calificación en Metacritic
1. Ratatouille 96
2. Toy Story 91
3. The Incredibles 90
4. Finding Nemo 89
5. Toy Story 2 87
6. Monsters, Inc. 78
7. A Bug's Life 77
8. Cars 73

... calificación en Rotten Tomatoes
1. Toy Story 100
2. Toy Story 2 100
3. Finding Nemo 98
4. The Incredibles 97
5. Ratatouille 96
6. Monsters, Inc. 95
7. A Bug's Life 92
8. Cars 76

... mi preferencia:
1. Finding Nemo
2. Toy Story
3. A Bug's Life
4. Ratatouille
5. Toy Story 2
6. Cars
7. Monsters, Inc.
8. The Incredibles

Shortbus

2007-07-21T19:27:00.001+02:00

Era de esperar: generaciones de coqueteo de los intelectuales con la pornografía iban a llevar a esto: sexo explícito no pornográfico. Es decir, pornografía tan analizada que ha prescindido del poder de excitar.

Shortbus es una película fallida con dos grandes méritos. El primero es su seguridad estética y narrativa. Sobre todo teniendo en cuenta los desafíos asumidos pr el director: rodaje de numerosas escenas de sexo explícito, argumento coral, con multitud de personajes y conflictos para rastrear, saltos entre lo real y lo simbólico. Y todo con dos duros.

El segundo acierto es que en esta comedia dramática sobre sexo nadie, afortunadamente, se cuestiona su sexualidad. Heterosexualidad, homosexualidad, bisexualidad, masturbación, fetichismo, travestismo, sadomasoquismo son practicados libremente y sin culpa por los personajes. El drama radica en que, independientemente de cual sea su elección, ninguno está satisfecho.

El problema de film es que lo que quiere demostrar -que somos insatisfechos por naturaleza y que la mayor libertad de la cual presuntamente disponen los habitantes de una metrópolis occidental no hace más que resaltar el punto- se prueba en 15 minutos. Pero embarcado en el proceso inductivo de dar muchos ejemplos para demostrar algo, el director construye alrededor de su idea madre un film coral, y queda atrapado en las trampas habituales del subgénero, en particular una: construir el desenlace como una epifanía colectiva. Si todos somos iguales porque en el fondo padecemos los mismos problemas, piensa el director, lo bueno es que, si encontramos una solución, esta funcionará para todos. Así, una película sexualmente incorrecta termina, paradójicamente, revelándose portadora de una evangélica religiosidad laica.

Pixar, en busca sus raíces

2007-06-17T11:43:00.000+02:00

El teaser que Disney y Pixar acaban de poner en internet para presentar WALL-E, la película que estrenarán en el verano boreal de 2008, dice poco sobre la película en sí, pero mucho sobre cómo se sienten los líderes de Pixar en este curioso momento de madurez corporativa, devorados por Disney a la vez que devorándose la división de animación de Disney.

Como género, el teaser busca, por definición, decir lo menos posible sobre la obra que anuncia. Además, es difícil ser explícito cuando se presenta una película que está todavía a un año de estrenarse. Pero Pixar fuerza las reglas y lo que ofrece es el relato a cámara de Andrew Stanton, director del film, responsable de esa obra maestra que es Buscando a Nemo y miembro del "núcleo duro" de Pixar junto con John Lasseter.

Stanton explica que cuando Toy Story estaba casi lista, el equipo creativo de Pixar se reunió en un restaurante a decidir su futuro. De esa sobremesa surgieron las ideas que con los años se convertirían en films como Bichos, Monsters, Inc. y Buscando a Nemo. El cineasta revela que una de las ideas que dibujaron sobre el mantel ese mediodía era la de un pequeño robot llamado WALL-E...

El karma de la industria de la animación infantil es que sus obras deben hablar a la vez a niños y adultos. Hay ocasiones, como esta, en las que el creador pierde el pulso y habla a uno solo de esos públicos. El teaser de WALL-E es aburrido de ver para cualquier niño, pero se asegura de informar a los espectadores adultos que Pixar es el mismo de siempre, y que su próxima obra viene de la sagrada cepa de la cual surgieron todas las obras maestras de la empresa.

Es, quizás, una respuesta a las críticas a media voz que acusaron a Cars de mostrar cierto agotamiento creativo en Pixar, que derivaría del peso que implica haber sido adquiridos por Disney. En mi opinión, Cars, aunque imperfecta, es una película bastante fiel al ADN de Lasseter y Stanton. de hecho, la historia formó desde el principio parte del racimo inicial de proyectos de Pixar y hay abundantes indicios de que el tema viene de las obsesiones personales de Lasseter con el coche y la carretera como símbolos del Sueño Americano. Si hay algún film en el cual Pixar quiso negar sus raíces, no es Cars -el primero tras la compra por Disney pero con largas raíces-, sino el último antes de ser comprados por el Ratón: Los increíbles, que, pese a su indudable calidad, fue dirigida por un externo del grupo original (Brad Bird), lejos de los temas clásicos de la productora y bastante cercana al batido posmoderno del resto del cine infantil contemporáneo.

Son lo mismo

2007-06-01T10:26:00.000+02:00

Bueno-bueno. Parece que ahora hay por ahí un reglamento para diseñar afiches de comedias románticas para adultos habladas en inglés.

Spider-man 3

2007-05-16T17:09:00.000+02:00

Un desafío de pelota vasca. Considerable esfuerzo por hacer una sutil comedia dramática con el grueso trazo expresivo del cómic y, de paso, hacer que luzca actitud independiente con un presupuesto de 250 millones de dólares.

Notas sobre Notes on a Scandal

2007-04-25T10:23:00.000+02:00

Esa mezcla tan británica de fatalidad anunciada, comentario social y eufemismo venenoso. La cámara sin pretensiones; los actores, con tantas... Poco se puede decir de este drama inglés contemporáneo de manual. Su rectitud es su fortaleza y su debilidad.

Pero sí se puede decir algo de su música: bajar un 1/4 de tono la línea melódica a intervalos regulares no hace que tu partitura sea minimalista o vanguardista, ni aunque te llames Philip Glass.

¿300 inexactitudes?

2007-04-14T17:00:00.001+02:00

300 tiene el encanto maldito de las grandes obras de la cultura popular: una sencillez en la superficie que oculta una gran complejidad interior. Uno de los raros casos de cine de culto devenido éxito masivo, limitarse a elogiarlo o criticarlo implica tragarse de un bocado todas las contradicciones que esconde, y hacerlas propias. Por eso, sin ponerse demasiado pesado, conviene separar la hacienda.

El problema de la manipulación de hechos históricos en 300 no tiene tanto que ver con que esa manipulación sea grosera ni con el obvio disgusto que provocan las numerosas inexactitudes en el argumento, sino con la clase de hechos que Frank Miller ha elegido cuidadosamente para ser corregidos y así someter la Historia a su misoginia y maniqueísmo.

Al fin y al cabo, no es mucho lo que se sabe sobre la Batalla de las Termópilas en particular y sobre Esparta en general, en gran medida porque casi no quedaron espartanos sobrevivientes de aquella batalla y porque, como los incas en América, los espartanos no creían que la costumbre de escribir fuera un signo apreciable de civilización.

No pasa nada porque Miller no diga que en Esparta no había un rey, sino dos, o que los éforos no eran sacerdotes, sino gobernantes. Pero cuando le hace decir al varonil rey espartano Leónidas que los atenienses eran "filósofos y pederastas" ("philosophers and boy-lovers", en el original), oculta convenientemente el hecho de que en Esparta, si bien no eran muy dados a la filosofía, practicaban la pederastia con bastante entusiasmo. De hecho, compartir lecho con el tutor formaba parte de la formación militar obligatoria de los ciudadanos durante la juventud.

El look afro de los persas, un pueblo asiático, es otra de las inexactitudes difíciles de explicar, así como el aspecto andrógino de Jerjes.

Es verdad que Esparta era un pueblo que tenía en gran estima a las mujeres por su capacidad reproductora. Pero precisamente por esto, toda la subtrama de la película sobre el escarnio público de Gorgo, la mujer de Leónidas, por su presunto adulterio, es ridículo. De acuerdo con las constumbres espartanas, el adulterio femenino era un práctica tolerada e incluso promovida. Toda con tal de engendrar más espartanos. En defensa de Miller, decir que esa parte de la obra fue agregada por decisión del director Zack Snyder y contra la voluntad del historietista.

Por último, nadie duda del heroísmo de los espartanos, pero cuando se repite una y otra vez que su sacrificio fue "en nombre de la libertad", hay que recordar que estos guerreros llevaron consigo a la muerte a 900 helotes, miembros de un pueblo reducido a la esclavitud por estos paradójicos luchadores de la libertad. Está claro que para ser soldados full-time, como Leónidas se ufana en una parte del film, hace falta que alguien te lave los platos. Y está claro que hay muchos casos en la Historia de pueblos que en la defensa de sus ideales llegan al extremo de violentar los principios que dicen proteger.

Dicho esto, 300 es un triunfo de la estética en el chato dominio del cine industrial contemporáneo. Su mayor mérito es haber terminado de quebrar el problema de las adaptaciones de historietas al cine. La clave era usar al máximo la tecnología para reproducir en detalle el inverosímil entorno del género. A partir de aquí, se abren infinitas posibilidades para desarrollar una relación fructífera entre cine y cómic. Y dado que el primer golpe exitoso en este sentido lo dio Robert Rodriguez con otra obra de Miller, Sin City, hay que reconocerle a este un indiscutible mérito artístico.

Sapitos en picada

2007-04-09T10:05:00.000+02:00

Esto es lo que Hollywood entiende por creatividad. Los guionistas de films de animación acaban de descubrir que las ranas molan como personajes secundarios, y están decididos a inundarnos de ellas. Desde el villano Le Frog en Flushed Away hasta el detective de Hoodwinked!, pasando por las ranas musicales de Meet the Robinsons.

The number 23

2007-03-25T23:57:00.000+02:00

Es un thriller psicológico sobre un hombre que, siguiendo una corriente numerológica de cierta popularidad, se obsesiona hasta casi perder la razón con la idea de que el número 23 está conectado con todos los eventos del universo. Conectado de mala manera, claro: 2 dividido tres es 0,666 que, ya sabemos, es el número del diablo. Da igual que no salga ningún número maldito si se toma por el camino de la suma, la resta o la multiplicación.

Yo la única vinculación que veo entre el 23 y una conspiración universal es que ese es el número del dorsal de Beckham en el Madrid. Fuera de ese dato, lo verdaderamente diabólico es que a alguien se le ocurra hacer una película sobre semejante estupidez.

Un puente hacia Photoshop

2007-03-10T21:13:00.000+01:00

La desastrosa adaptación hecha para España del póster de Puente hacia Terabithia no hace honor al film, una de las adaptaciones de literatura infantil a la pantalla grande más interesantes en mucho tiempo.

El mismo afiche original ya pinta raro por mostrar una escena inexistente en el film (por lo menos en la versión exhibida en cines españoles): los dos niños protagonistas, de noche, ella sosteniendo un farol. Pero por lo menos tiene un innegable equilibrio de luz y color. (La iluminación de la película es de Michael Chapman, el genial fotógrafo de Taxi Driver y Raging Bull.) Otro acierto es que no se incluyen elementos fantásticos

Lo insólito es que en España se ha hecho un collage absurdo, que no solo rompe el equilibrio de la iluminación y la perspectiva, sino que lo hace con el único objetivo de remarcar los elementos fantásticos de la historia, como si no hubiera chances de éxito para un film infantil en el siglo XXI si no sigue perrunamente la estela de Crónicas de Narnia.

Raros peinados viejos

2007-03-03T18:41:00.000+01:00

El único obstáculo serio para que Los infiltrados ganara el Oscar a la mejor película de 2006 era el peinado de Mark Wahlberg. Considerando que lo habían nominado de todos a mejor actor de reparto (aunque yo hubiera preferido verlo en la categoría de mejores efectos visuales), no cabían dudas de que Scorsese iba a ganar.

El detalle que faltaba

2007-02-28T22:53:00.000+01:00

Un guiño evidente a Martin Scorsese por parte de la Academia fue convocar a Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg para la entrega del premio al mejor director. Una vez Scorsese arriba del escenario, señaló la prensa, se produjo la reunión automática de los legendarios movie brats que reanimaron el cine estadounidense en los años 70.

A mí lo que más me llama la atención de las listas de invitados son los ausentes. Y en este Olimpo portátil de domingo por la noche faltaba la sota: Brian De Palma. es cierto, su carrera es tremendamente irregular. Como, con diversos matices de intensidad, las de los que estaban arriba del escenario. Pero por sus temas (la violencia, la familia, la culpa) , su pasión por el oficio de hacer películas, su sentido del humor y su ambigua relación con el american way, ocupa con todo derecho un lugar al lado de los Cuatro de Hollywood, y con un premio en la mano, aunque probablemente sea el menos agraciado del grupo.

Con Scorsese premiado, desde el último domingo Brian -el de Blow Out, Doble de cuerpo, Los Intocables- pasa a ser mi outcast titular.

The Big Lebowski (1998) en la palma de la mano, ocho años más tarde

2006-09-10T16:17:00.000+02:00

Tras la visión tardía de The Big Lebowski en un dispositivo de vídeo de bolsillo, mi resumen es: un argumento de los años 50 protagonizado por personajes de los años 70 atrapados en un escenario de los años 90. Un ejercicio de descentramiento típico de los Coen. Sigo prefiriendo Raising Arizona, Miller's Crossing y O Brother, where art thou?, pero este está muy bien.

Good Night, and Good Luck.

2006-02-25T11:31:00.000+01:00

Es meritorio que un actor como George Clooney, que ha construido su carrera pasando por galán tarambana demuestre que tiene pretensiones artísticas y un espíritu liberal. Good Night, and Good Luck. es una prueba de esto, pero no es una gran película, como parece indicar, si .

Al terminar de verla me he llevado la impresión de que muchas limitaciones que Clooney se ha impuesto en este film y que pasan por artísticas en el contexto -exceso de diálogos, blanco y negro, evitar casi totalmente los aspectos de la vida privada de los personajes, limitarse la acción a dos o tres interiores- son en realidad recursos para proteger el período de aprendizaje de un director principiante.

Más allá de lo simpático que es pueda ser discurso, Good Night, and Good Luck. es un film deliberadamente chato. Dentro de muchos años, cuando toque recordarlo porque se esté hablando de McCarthy, de Strathairn o de Clooney, se lo recordará como una buena obra. Pero cuando no haya efemérides ni nombres como excusa para citarlo, mi impresión es que no será recordado espontáneamente.

C.S. Lewis, sobre Narnia y Disney

2006-02-08T23:09:00.000+01:00

"Estoy seguro de que usted comprenderá que Aslan es una figura divina, y que cualquier aproximación [a esta historia] remotamente cercana al cómic (sobre todo, en la línea de Disney) sería para mí simplemente una blasfemia".

-C.S. Lewis, autor de la saga Las crónicas de Narnia, adaptada al cine por Disney en 2005, en una carta a la escritora estadounidense Jane Douglass, en 1954.

http://www.chicagoreader.com/movies/archives/2005/1205/051216.html

Michael Nyman y los silencios del Dogma

2005-12-08T17:06:00.000+01:00

Escucho una entrevista a Michael Nyman en Radio 3. Le preguntan por los cineastas del Dogma, que hacen obras sin música, y él responde con elegancia que, en su extremismo, estos directores son sabios porque al dejar fuera la música comprenden su impacto.

Puesto en su lugar, yo habría dicho que el silencio es uno de los elementos posibles de la música. Lo que hacen los dogmáticos no es otra cosa que grabar bandas de sonido compuestas de ese único elemento.

Las dos clases de Tim Burton

2005-11-06T20:47:00.000+01:00

Viendo Corpse Bride esta tarde con Valentina se me ocurre que los films de Tim Burton hablan siempre de un mismo tema -que lo diferente debería ser considerado lo normal- pero podrían ser agrupados en dos categorías. En todos el protagonista es un freak incomprendido. Pero en algunos se describe la dimensión social de estos personajes y en los otros, la afectiva.

Los primeros films son más descriptivos y menos narrativos. No es que no tengan argumento, pero este importa poco, ya que en ellos Burton se limita a construir una estampa, la del visionario y su esfuerzo por cambiar la forma en que sus pares perciben el mundo. En ese grupo -más abundante que el otro- están Ed Wood, Nightmare Before Christmas, Big Fish y Charlie and the Chocolate Factory; quizás también Beetlejuice.

En el otro grupo hay obras más introspectivas, que para desarrollar la imposiblidad de alcanzar el amor tiene que ceñirse a figuras dramáticas más clásicas, como el triángulo amoroso, la fábula o el principio del sacrificio por amor, aunque sigan teniendo una actitud revolucionaria en su construcción visual. Son obras de ambiente gótico, romántico o dark. A esa clase pertenecen Edward Scissorhands, Sleepy Hollow y Corpse Bride.

Las dos Batman podrían pertenecer a los dos grupos o a ninguno. Y hay trabajos de Burton que no pueden ser clasificados por ninguno de los dos criterios; se trata probablemente de sus obras más débiles, como Mars Attacks! y Planet of the Apes.

Sobre El aura

2005-10-30T23:42:00.000+01:00

Como se ha hablado ya bastante acerca de las diferencias entre la opera prima de Fabián Bielinsky, la exitosa Nueve Reinas, y su segundo film, la recién estrenada El aura, abundaré en sus similitudes.

Es verdad que El aura carece del aire ligero, urbano y hasta casi alegre de Nueve Reinas. En El aura, el mecanismo del suspense es desmontado como en Nueve Reinas, pero no para divertir al espectador con pases de mago, sino para exhibir sin trucos la monstruosa naturaleza del hombre común. Los pícaros de Nueve Reinas cambian pero solo en apariencia, porque lo que el espectador sabe de ellos varía con el paso de los minutos; en El aura, los personajes evolucionan o por lo menos despliegan actitudes que -como le ocurre a David Sumner en Los perros de paja o al capitán Macwhirr de Tifón, la novela de Conrad- siempre llevaron dentro sin que encontraran acontecimientos que las hicieran visibles ante sus pares. Si Nueve Reinas es descendiente directo de los juegos argumentales de House of Games, de David Mamet, El aura lleva el linaje del cine negro francés del Henri-Georges Clouzot de los años 50.

En particular, los antihéroes compuestos por Ricardo Darín en ambos films parecen, a primera vista, opuestos. Uno es un sabelotodo callejero; el otro, un artesano callado y solitario. Ambos son, sin embargo, pobres diablos que comparten un don de observación que les lleva a creerse más de lo que son. Uno de los pecados más enternecedores de la inteligencia: creerse genialidad.

En los infortunios de ambos hay considerable fatalidad, pero no la de los antiguos griegos, que consideraban a sus héroes siempre a merced del capricho divino. La fatalidad está en ellos mismos, en su creencia de que pueden ver un plan en el caos cotidiano y ejecutarlo a la perfección, solo para descubrir que son incapaces de controlar todos los detalles. Con sus héroes fallidos, Bielinsky nos dice que la vida sería un golpe perfecto, si no fuera por nosotros.

Corpse Bride según Vera

2005-10-30T17:06:00.000+01:00

Mi hija Vera (tres años) en el cine, en voz baja durante la proyeccion de La novia cadáver, a Gabriela:
--Mamá, ¿qué quiere decir "cadáver"?
--Shhhh...

Medio minuto de silencio. Luego:
--¿Y "novia"?

El método: Otra peli era posible

2005-10-23T12:11:00.000+02:00

Por Rafael Vidiella

Resumo mucho, porque se sabe: El método es la adaptación cinematográfica de una obra de teatro en la que ambiciosos profesionales, que aspiran a un buen puesto en una multinacional,afrontan una entrevista de trabajo grupal. El método "Grönholm" de selección les convierte en una manada de hienas. Todo transcurre en una oficina, a través de muchos diálogos, gran confianza en el trabajo actoral. La obra de teatro -que no he visto- creo que es más cómica.

En cambio, Marcelo Piñeyro (al que no cuento entre mis directores favoritos) apuesta por el "thriller de ideas". Tensión dramática en perjuicio del humor. A mí el cambio no me gusta.

La película me atraía; más que nada por la presunta crítica al sistema empresarial. Pero no nos habla tanto de eso. De tan gruesos que están hechos sus perfiles, su debilidad, sus defectos, los personajes parecen estar más enfermos que la empresa que degrada. Durante la primera hora de película, la más cómica, conocemos a gente atractiva, con la que podemos identificarnos. Su reacción frente a una entrevista
de trabajo anormal me resulta interesante. Me los creo. Hasta que contemplar lo inadecuado del método deja de ser prioritario. Pasa a serlo descubrir quién es quién, cual de los aspirantes es el topo de la empresa. Poco después, la debacle: empiezan a distraernos con temas sin interés. Propuestas tremendistas, que parecen decisivas, entran y salen sin mayor explicación; estallando primero, pasando después sin más. ¿Tiene algo la comida o sólo les sabe rara? ¿Y todo lo que pasa en los baños? Hay más, pero bueno. Insisto: propuestas para enganchar a la historia principal, que lo único que logran es terminar deformándola.

Por último, una serie de preguntas. ¿No es cierto que los personajes más interesantes son, casualmente, los primeros en salir de la película?. ¿Es necesaria la grosera insistencia en las manifestaciones callejeras, recordando cada cierto tiempo el que "otro mundo es posible"? ¿No son cada vez más patéticas, aburridas, pueriles las expulsiones -lo de la pelotita es de traca-? ¿No da la película la -grave- impresión de quedarse, a propósito, en una crítica intermedia, en un "sí es no es", para no alterar demasiadas conciencias y dejar a todos contentos?

Who Watches the Filmmaker?

2005-04-20T15:56:00.000+02:00

Me entero con horror de la decisión de Warner de adaptar Watchmen, el cómic de Alan Moore, a un largometraje. Estreno previsto para 2006, un director contratado (Paul Greengrass, de The Bourne Supremacy). Antes se habían apuntado Terry Gillian y Darren Aronofsky, probablemente más aptos para manejar una historia como esta. El propio Greengrass pinta la dificultad en una sola frase: "¿Cómo llevas a la pantalla el Citizen Kane del cómic?"

Hay dos problemas. El primero es el formato. La historieta original de Moore se publicó en 12 episodios. No se trata solo de que el argumento es demasiado extenso o denso, o que hay muchos personajes. Es que la estructura narrativa de toda la historia está claramente estructurada en forma de serial, cada episodio con su motivo y final, su motivo gráfico recurrente, su tema central, su frase como título-epílogo... El formato adecuado sería una miniserie para televisión, o bien (¿por qué no?) extender la idea de sagas en largometrajes como Matrix y el Señor de los Anillos a la cantidad de partes necesaria para que relato se despliegue con todo su poder.

El segundo problema es peor aún. No es la forma, sino el contenido. Por tratarse de un relato de ciencia-ficción con decenas de personajes y extendido por cuatro décadas, Watchmen solo puede ser un film de gran presupuesto. Pero los hechos que describe y el sentido que Moore les da es imposible de digerir en una obra destinada para consumo masivo. En Watchmen hay (no lean más los que no hayan leído el cómic y no quieran detalles) un héroe violador, el asesinato de una embarazada, una niña arrojada como alimento a los perros, un superhombre que se clona a sí mismo para estimular sexualmente a su amada, un relato de piratas en plan gore, un amago de holocausto... Esto tiene que terminar mal.

Garden State

2005-04-18T11:03:00.000+02:00

El cine indie ahora viene en Cinemascope. Otro niño prodigio que escribe, produce, dirige y protagoniza, y que logra arrastrar en su aventura a varios actores de prestigio (en este caso, Natalie Portman, Ian Holm) deseosos de decir "yo estuve allí".

El problema es que aquí no hay nada destacable de qué enorgullecerse, como no sea las mismas actuaciones.

Otra fábula indie sobre un adolescente tardío que regresa al pueblo para asistir al fracaso existencial de sus ex amigos, recomponer su familia disfuncional y enamorarse. Un puchero de Ted Demme y Wes Anderson, sin el brillo de ninguno de estos.

Drexler's Sweet Vendetta

2005-03-01T09:51:00.000+01:00

Buena repercusión en blogs del discurso de aceptación del Oscar a cargo del músico uruguayo Jorge Drexler, quien se limitó a cantar dos estrofas de su canción premiada. Algunos enlaces:

http://elkit.blogs.com/elkit/2005/02/in_the_back_row.html
"Best acceptance speech: Jorge Drexler, who simply sang part of his winning song, Al Otro Lado del Rio"

http://www.isteve.com/
"I liked how the composer of the Best Song, Jorge Drexler, instead of giving a speech thanking his childhood piano teacher, sang his song all over again in a lovely a capella version to make up for the clunking rendition by Antonio Banderas and Carlos Santana earlier in the evening, a performance so tuneless that my son asked, "Are they making this song up as they go along?"

Oscar: Una quiniela menos

2005-02-28T22:58:00.000+01:00

Ni estadísticas ni diplomacia: Million Dollar Baby le ganó a El aviador. En mi favor debo decir que dije que el film de Scorsese saldría de la gala con no menos de cuatro Oscar, entre ellos el de Thelma Schoonmaker en montaje. Y que de 20 categorías en las que arriesgué, acerté en 10 con mi primera opción (actor, actriz de reparto, edición, dirección artística, fotografía, vestuario, sonido, efectos de sonido, film animado y film en lengua no inglesa) y dos con la segunda (canción y guión adaptado). Como Scorsese, mi perdición fueron los premios importantes.

Oscar: Una quiniela más

2005-02-27T12:02:00.000+01:00

Ahora dicen que en los últimos días Million Dollar Baby está generando más simpatías entre los votantes que El aviador. Aprovecho la oportunidad para mantener que el film de Scorsese será el ganador. No son preferencias personales (aprecio a ambos directores, aunque esta vez solo he visto, por ahora, la de Eastwood), sino una mezcla de estadísticas y diplomacia.

Scorsese ha recibido nominaciones al mejor director en cuatro oportunidades sin ganar ninguna, lo que representa uno de los ninguneos más persistentes de la historia de este premio. El único director contemporáneo peor tratado es Robert Altman, con cinco.

A esto hay que sumar que dos de las derrotas de Scorsese fueron especialmente polémicas. La primera fue en 1980, cuando El toro salvaje (Raging Bull) perdió frente a Gente como uno (Ordinary People), de un Robert Redford que entonces apenas era una galancete progre metido a director por primera vez. La otra fue en 2002, cuando Pandillas de New York, con 10 nominaciones, no obtuvo ni un solo premio. Solo hay dos films en la historia del Oscar con un récord más negativo que este: The Turning Point en 1997 y El color púrpura (The Color Purple) en 1985, ambos con once nominaciones; y hay que recordar que Spielberg fue compensado en 1993 con los siete premios a La lista de Schindler.

Eastwood, en tanto, no solo ganó cuatro Oscar por Los imperdonables en 1992, incluyendo película y dirección, sino que el año pasado Río Místico (Mystic River) obtuvo seis nominaciones y se llevó dos Oscar actorales (Sean Penn, Tim Robbins). Otros films de este cineasta -por lo menos, los de su etapa seria- han sido habitualmente bien tratados: Bird ganó un Oscar al mejor sonido y Los puentes de Madison le reportó a Meryl Streep una de sus abundantes nominaciones.

Por último -y esto no es un detalle menor-, el argumento de Million Dollar Baby es difícilmente celebrable en público por el cine industrial estadounidense: no solo carece de un final feliz tradicional, sino que propone la eutanasia clandestina e inconvicta. Hollywood puede aceptar en sus películas predilectas que crímenes y pecados sean exhibidos, aceptados e incluso embellecidos, pero no tolera que no haya castigo.

Mi impresión es que El aviador se llevará varios Oscar. No menos de cuatro, diría, entre ellos los de película y director. Si Scorsese gana, es evidente que Thelma Schoonmaker debería ganar su segundo premio, y también es factible que el film se lleve alguno de los Oscar visuales (dirección artística, fotografía, vestuario) por su reconstrucción de época. El único que está excluido de antemano es DiCaprio.

Quiniela de la 77ma. entrega de los Oscar
27 de febrero de 2005

NOTA: he marcado en negrita las películas que creo con más posibilidades de ganar, y en itálica las que marchan detrás.

Performance by an Actor in a Leading Role

Don Cheadle in HOTEL RWANDA (United Artists in association with Lions Gate Entertainment through MGM Distribution Co.)

Johnny Depp in FINDING NEVERLAND (Miramax)

Leonardo DiCaprio in THE AVIATOR (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.)

Clint Eastwood in MILLION DOLLAR BABY (Warner Bros.)

Jamie Foxx in RAY (Universal)

Performance by an Actor in a Supporting Role

Alan Alda in THE AVIATOR (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.)

Thomas Haden Church in SIDEWAYS (Fox Searchlight/20th Century Fox)

Jamie Foxx in COLLATERAL, (DreamWorks and Paramount)

Morgan Freeman in MILLION DOLLAR BABY (Warner Bros.)

Clive Owen in CLOSER (Sony Pictures Releasing)

Performance by an Actress in a Leading Role

Annette Bening in BEING JULIA (Sony Pictures Classics)

Catalina Sandino Moreno in MARIA FULL OF GRACE (HBO Films in association with Fine Line Features)

Imelda Staunton in VERA DRAKE (Fine Line Features, Alain Sarde and UK Film Council in association with Inside Track Films)

Hilary Swank in MILLION DOLLAR BABY (Warner Bros.)

Kate Winslet in ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND (Focus Features)

Performance by an Actress in a Supporting Role

Cate Blanchett in THE AVIATOR (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.)

Laura Linney in KINSEY (Fox Searchlight/20th Century Fox)

Virginia Madsen in SIDEWAYS (Fox Searchlight/20th Century Fox)

Sophie Okonedo in HOTEL RWANDA (United Artists in association with Lions Gate Entertainment through MGM Distribution Co.)

Natalie Portman in CLOSER (Sony Pictures Releasing)

Animated Feature Film of the Year

THE INCREDIBLES (Buena Vista) Brad Bird

SHARK TALE (DreamWorks) Bill Damaschka

SHREK 2 (DreamWorks) Andrew Adamson

Achievement in Art Direction

THE AVIATOR (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.)
Art Direction: Dante Ferretti
Set Decoration: Francesca Lo Schiavo

FINDING NEVERLAND (Miramax)
Art Direction: Gemma Jackson
Set Decoration: Trisha Edwards

LEMONY SNICKET'S A SERIES OF UNFORTUNATE EVENTS (Paramount and DreamWorks)
Art Direction: Rick Heinrichs
Set Decoration: Cheryl A. Carasik

THE PHANTOM OF THE OPERA (Warner Bros.)
Art Direction: Anthony Pratt
Set Decoration: Celia Bobak

A VERY LONG ENGAGEMENT (Warner Independent Pictures)
Art Direction: Aline Bonetto

Achievement in Cinematography

THE AVIATOR (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.) Robert Richardson

HOUSE OF FLYING DAGGERS (Sony Pictures Classics) Zhao Xiaoding

THE PASSION OF THE CHRIST (Icon and Newmarket) Caleb Deschanel

THE PHANTOM OF THE OPERA (Warner Bros.) John Mathieson

A VERY LONG ENGAGEMENT (Warner Independent Pictures) Bruno Delbonnel

Achievement in Costume Design

THE AVIATOR (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.) Sandy Powell

FINDING NEVERLAND (Miramax) Alexandra Byrne

LEMONY SNICKET'S A SERIES OF UNFORTUNATE EVENTS (Paramount and DreamWorks) Colleen Atwood

RAY (Universal) Sharen Davis

TROY (Warner Bros.) Bob Ringwood

Achievement in Directing

THE AVIATOR (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.) Martin Scorsese

MILLION DOLLAR BABY (Warner Bros.) Clint Eastwood

RAY (Universal) Taylor Hackford

SIDEWAYS (Fox Searchlight/20th Century Fox) Alexander Payne

VERA DRAKE (Fine Line Features, Alain Sarde and UK Film Council in association with Inside Track Films) Mike Leigh

Documentary Feature

BORN INTO BROTHELS (THINKFilm)
Ross Kauffman and Zana Brisk
A Red Light Films, Inc. Production

THE STORY OF THE WEEPING CAMEL (THINKFilm)
Luigi Falorni and Byambasuren Davaa
A Hochschule für Fernsehen und Film München Production

SUPER SIZE ME (Roadside Attractions/Samuel Goldwyn Films)
Morgan Spurlock
A Kathbur Productions/The Con Production

TUPAC: RESURRECTION (Paramount)
Lauren Lazin and Karolyn Ali
An MTV - Amaru Entertainment, Inc. Production

TWIST OF FAITH
Kirby Dick and Eddie Schmidt
A Chain Camera Pictures Production

Documentary Short Subject

AUTISM IS A WORLD
Gerardine Wurzburg
A State of the Art Production

THE CHILDREN OF LENINGRADSKY
Hanna Polak and Andrzej Celinski
A Hanna Polak Production

HARDWOOD
Hubert Davis and Erin Faith Young
A Hardwood Pictures and National Film Board of Canada Production

MIGHTY TIMES: THE CHILDREN'S MARCH
Robert Hudson and Bobby Houston
A Tell the Truth Pictures Production

SISTER ROSE'S PASSION
Oren Jacoby and Steve Kalafer
A New Jersey Studios Production

Achievement in Film Editing

THE AVIATOR (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.) Thelma Schoonmaker

COLLATERAL (DreamWorks and Paramount) Jim Miller and Paul Rubell

FINDING NEVERLAND (Miramax) Matt Chesse

MILLION DOLLAR BABY (Warner Bros.) Joel Cox

RAY (Universal) Paul Hirsch

Foreign Language Film of the Year

AS IT IS IN HEAVEN
Sweden
A GF Studios Production

THE CHORUS
France
A Galatée Films/Pathé Renn/France 2 Cinema/Novo Arturo Films/Vega Film AG Production

DOWNFALL
Germany
A Constantin Film Production

THE SEA INSIDE
Spain
A Sogecine and Himenóptero Production

YESTERDAY
South Africa
A Videovision Entertainment Production

Achievement in Makeup

LEMONY SNICKET'S A SERIES OF UNFORTUNATE EVENTS (Paramount and DreamWorks) Valli O'Reilly and Bill Corso

THE PASSION OF THE CHRIST (Icon and Newmarket) Keith Vanderlaan and Christien Tinsley

THE SEA INSIDE (Fine Line Features and Sogepaq) Jo Allen and Manuel García

Achievement in Music written for Motion Pictures (Original Score)

FINDING NEVERLAND (Miramax) Jan A.P. Kaczmarek

HARRY POTTER AND THE PRISONER OF AZKABAN (Warner Bros.) John Williams

LEMONY SNICKET'S A SERIES OF UNFORTUNATE EVENTS (Paramount and DreamWorks) Thomas Newman

THE PASSION OF THE CHRIST (Icon and Newmarket) John Debney

THE VILLAGE (Buena Vista) James Newton Howard

Achievement in Music written for Motion Pictures (Original Song)

"Accidentally In Love" from SHREK 2 (DreamWorks)
Music by Adam Duritz, Charles Gillingham, Jim Bogios, David Immergluck, Matthew Mallery and David Bryson
Lyric by Adam Duritz and Daniel Vickrey

"Al Otro Lado Del Río" from THE MOTORCYCLE DIARIES
Music and Lyric by Jorge Drexler
(Focus Features and Film Four)

"Believe" from THE POLAR EXPRESS (Warner Bros.)
Music and Lyric by Glen Ballard and Alan Silvestri

"Learn To Be Lonely" from THE PHANTOM OF THE OPERA (Warner Bros.)
Music by Andrew Lloyd Webber
Lyric by Charles Hart

"Look To Your Path (Vois Sur Ton Chemin)" from THE CHORUS (Miramax)
Music by Bruno Coulais
Lyric by Christophe Barratier

Best Motion Picture of the Year

THE AVIATOR (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.)
Nominees are still to be determined.
A Forward Pass/Appian Way/IMF Production

FINDING NEVERLAND (Miramax)
Richard N. Gladstein and Nellie Bellflower, Producers
A FilmColony Production

MILLION DOLLAR BABY (Warner Bros.)
Nominees are still to be determined.
A Warner Bros. Pictures Production

RAY (Universal)
Nominees are still to be determined.
A Universal Pictures/Bristol Bay Production

SIDEWAYS (Fox Searchlight/20th Century Fox)
Michael London, Producer
A SIDEWAYS Productions, Inc. Production

Animated Short Film

BIRTHDAY BOY
Sejong Park and Andrew Gregory
An Australian Film, TV and Radio School Production

GOPHER BROKE
Jeff Fowler and Tim Miller
A Blur Studio Production

GUARD DOG
Bill Plympton
A Bill Plympton Production

LORENZO
Mike Gabriel and Baker Bloodworth
A Walt Disney Pictures Production

RYAN
Chris Landreth
A Copper Heart Entertainment & National Film Board of Canada Production

Live Action Short Film

EVERYTHING IN THIS COUNTRY MUST
Gary McKendry
A Six Mile LLC Production

LITTLE TERRORIST
Ashvin Kumar
An Alipur Films Production

7:35 IN THE MORNING
Nacho Vigalondo
An Ibarretxe & Co. Production

TWO CARS, ONE NIGHT
Taika Waititi and Ainsley Gardiner
A Defender Films Limited Production

WASP
Andrea Arnold
A Cowboy Films Production

Achievement in Sound Editing

THE INCREDIBLES (Buena Vista) Michael Silvers and Randy Thom

THE POLAR EXPRESS (Warner Bros.) Randy Thom and Dennis Leonard

SPIDER-MAN 2 (Sony Pictures Releasing) Paul N.J. Ottosson

Achievement in Sound Mixing

THE AVIATOR (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.) Tom Fleischman and Petur Hliddal

THE INCREDIBLES (Buena Vista) Randy Thom, Gary A. Rizzo and Doc Kane

THE POLAR EXPRESS (Warner Bros.) Randy Thom, Tom Johnson, Dennis Sands and William B. Kaplan

RAY (Universal) Scott Millan, Greg Orloff, Bob Beemer and Steve Cantamessa

SPIDER-MAN 2 (Sony Pictures Releasing) Kevin O'Connell, Greg P. Russell, Jeffrey J. Haboush and Joseph Geisinger

Achievement in Visual Effects

HARRY POTTER AND THE PRISONER OF AZKABAN (Warner Bros.) Roger Guyett, Tim Burke, John Richardson and Bill George

I, ROBOT (20th Century Fox) John Nelson, Andrew R. Jones, Erik Nash and Joe Letteri

SPIDER-MAN 2 (Sony Pictures Releasing) John Dykstra, Scott Stokdyk, Anthony LaMolinara and John Frazier

Adapted Screenplay

BEFORE SUNSET (Warner Independent Pictures)
Screenplay by Richard Linklater & Julie Delpy & Ethan Hawke
Story by Richard Linklater & Kim Krizan

FINDING NEVERLAND (Miramax)
Screenplay by David Magee

MILLION DOLLAR BABY (Warner Bros.)
Screenplay by Paul Haggis

THE MOTORCYCLE DIARIES (Focus Features and Film Four)
Screenplay by José Rivera

SIDEWAYS (Fox Searchlight/20th Century Fox)
Screenplay by Alexander Payne & Jim Taylor (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.)

Original Screenplay

THE AVIATOR (Miramax, Initial Entertainment Group and Warner Bros.)
Written by John Logan

ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND(Focus Features)
Screenplay by Charlie Kaufman
Story by Charlie Kaufman & Michel Gondry & Pierre Bismuth

HOTEL RWANDA (United Artists in association with Lions Gate Entertainment through MGM Distribution Co.)
Written by Keir Pearson & Terry George

THE INCREDIBLES (Buena Vista)
Written by Brad Bird

VERA DRAKE (Fine Line Features, Alain Sarde and UK Film Council in association with Inside Track Films)
Written by Mike Leigh

Top Ninguneo

2005-01-08T22:13:00.000+01:00

Propongo crear una lista de grandes actores ninguneados por Hollywood y la inicio con algunos aportes:

-Don Cheadle (¿Cambiará esto con Hotel Ruanda?)
-Tony Shalhoub
-Annabella Sciorra

Sobre Los increíbles

2005-01-07T18:28:00.000+01:00

Lamentablemente, no dispongo de suficiente tiempo para escribir todas las cosas que quisiera a propósito del estreno de Los Increíbles y su relación con el cine en general, el infantil y de animación en particular, Pixar, Disney, Buscando a Nemo, etc.

No obstante, diré una cosa al pasar, a riesgo de parecer terminante: aunque el film me gustó (¿a quién podría no gustarle?) ocurre con él una cosa curiosa. Siendo la película en sí misma una suerte de asociación de superhéroes (la Liga de la justicia de Pixar + el superhéroe invitado Brad Bird) el resultado es, curiosamente, poco Pixar y poco Bird.

Un producto divertido, vertiginoso y soberbiamente realizado, pero en el que hay poco del arte complejo que dio a luz Buscando a Nemo por un lado y El gigante de hierro por el otro.

Una tontería sobre Shrek 2

2004-12-12T13:52:00.000+01:00

En una película intensamente dialogada, en la que todos hablan con todos -ogros con animales, reyes con plebeyos, mujeres con hombres- hay dos personajes que nunca se dirigen la palabra: el Hada Madrina y la Princesa Fiona. Dejando de lado a la Reina Madre, son las dos únicas mujeres del elenco.

La edad del copyright

2004-11-22T02:44:00.000+01:00

Disney hace lobby por extender cada vez más la protección de las creaciones intelectuales. De momento, esa presión ha ayudado a que la duración del copyright llegue a 70 años después de la muerte del autor.

Lo absurdo es que si la vigencia del copyright hubiera tenido a comienzos del siglo XX la extensión deseada por Disney hoy, esta productora no podría haber hecho muchas de sus obras más famosas, como Pinocho (rodada en 1940, medio sigle después de la muerte de Carlo Collodi) o Alicia en el País de las Maravillas (1951, 53 años tras la muerte de Lewis Carroll).

¿Dónde están los especialistas?

2004-11-15T21:27:00.000+01:00

4 de noviembre
'The Incredibles' Performance Won't Be Incredible, Say Analysts

8 de noviembre
Incredible Opening for 'The Incredibles'

15 de noviembre
'Incredibles' Derails 'Polar Express'

Una antiprofecía

2004-07-07T17:56:00.000+02:00

Esto no es Iraq, capitán. Es algo mucho más complejo y difícil de manejar.
-Mayor Gen William F. Garrison (Sam Shepard), en referencia a la crisis de Somalia en 1993) en Black Hawk Down (2001), de Ridley Scott.

Soundtracks para bestias

2004-06-05T17:08:00.000+02:00

El primer Shrek no fue de mi agrado. Un compendio de estereotipos posmodernos sobre literatura infantil afectado por errores estéticos elementales, como vestir de verde a una princesa que va acompañada por un ogro verde en un bosque verde donde ambos son sorprendidos por un ladrón vestido de verde... La banda de sonido, en cambio, con su mezcla de mainstream pop (Leslie Carter, Smash Mouth) y songwriters de culto (Eels, Leonard Cohen por John Cale) rematados con algunos toques retro (Neil Diamond, Joan Jett, Jobim) fue un acierto.

Así que frente al estreno de Shrek 2, mi mayor interés estaba en conocer la lista de canciones: la cuota mainstream la pone Counting Crows y Livin la vida loca cantando por Eddie Murphy y Antonio Banderas :( , pero luego hay un Changes versionado por Butterfly Boucher (con participación de Bowie), un tango de Tom Waits (hasta el título suena a tango, si se lo traduce literalmente: Gotita de veneno) y Nick Cave con los Bad Seeds.

La guerra del cine

2004-05-07T18:49:00.000+02:00

He aprovechado la semana para ver dos películas a las que Irak ha vuelto a dar actualidad: La Batalla de Argel (Gillo Pontecorvo, 1965) y Black Hawk derribado (Ridley Scott, 2001). Ambas hablan de conflictos bélicos, herencia del colonialismo y potencias invasoras. Las dos son películas interesantes. Su punto de vista es, sin embargo, opuesto.

Pontecorvo narra en su obra la revolución y el nacimiento en Argelia del FLN (Frente de Liberación Nacional), como respuesta a la ocupación francesa. Rodado como un falso documental muestra la violencia terrorista, la guerra sucia por parte de las autoridades y, en definitiva, el correr de sangre inocente por la intolerancia política. Condena a los ocupantes, Francia, y justifica a los terroristas, que encima matan en nombre de Alá. ¿Panfleto izquierdista? Una gran película.

Black Hawk derribado es, en cambio, un videojuego con actores reales. La magistral puesta en escena de un campo de batalla: Mogadiscio, Somalia. Un grupo de marines ha de detener en territorio hostil a unos altos mandos rebeldes, cuyos argumentos no importan: son negros, flacuchos y parecen reproducirse como moscas, siempre con la misión de matar a los marines. Estos, que han ocupado el país para imponer (su) orden, se consideran a sí mismos héroes. ¿Onanismo yanqui? Un gran espectáculo.

¿Debemos juzgar una película bélica por el bando en el que lucha? Si es así, Ridley Scott es culpable. Su superficialidad llora la muerte de 17 americanos, pero desprecia a más de 1.000 cadáveres y a todo un pueblo condenado. Pero para otros no merecería mejor destino Pontecorvo, quien da un matiz casi heroico a dejar bombas en lugares públicos. En mi opinión cine es cine, y ambos pueden ser admirados. Cine por dinero o cine por ideas, por supuesto, pero en ambos casos mayúsculo cine.

La primera película de Larry y Andy

2004-05-06T17:09:00.000+02:00

Para casi todo el mundo, los enigmáticos hermanos Wachowski nacen en 1999 con Matrix. Pero después de ver Bound (en España, Lazos Ardientes), su primera película, puede afirmarse lo contrario: su talento muere, al menos hasta el momento, justo después de rodar su exitosa y futurista farsa.

Bound, o Lazos Ardientes, fue rodada en 1996, y sigue la estela iniciada por Tarantino u otros hermanos, los Coen, de reinterpretar el clásico cine negro añadiéndole mucha sangre y, con ella, situaciones cómicas.

Sin embargo Bound va más allá, ofreciendo novedades que la convierten en memorable. La mayor de ellas es que la trama se sustenta básicamente sobre dos mujeres, amantes, lo que ofrece un nuevo punto de vista sobre el siempre viril y homoerótico (sub)mundo de los mafiosos.

Partir de esa mirada femenina permite, sobre todo, desmitificar a esos ominosos sujetos, tantas veces ensalzados e incluso admirados por directores como Coppola o Scorsese. Los Wachowski, y con ellos las mujeres de la película, los contemplan como lo que son: viles, traidores, asesinos y, sobre todo, machistas. A destruirlos y, por supuesto, quedarse con su dinero se dedican durante la cinta las dos bellas amazonas.

Intrigante desde el primer al último fotograma, Bound desarrolla a la perfección su trama, recurre a unos perfectos intérpretes (destacable, por muchas razones, la irresistible Gina Gershon) y se construye en apenas dos escenarios: las habitaciones contiguas de un edificio de apartamentos. A los Wachowski les sobró con tan pocos elementos para hacer una espléndida ópera prima. Lástima que luego les dieran tanto para hacer lo contrario: una incomprensible opereta para primos.

Van Helsing y otros derivados literarios

2004-05-06T11:05:00.000+02:00

Van Helsing, el cazador de monstruos roba un personaje secundario de un clásico literario del siglo XIX para construir una nueva obra. El recurso de tomar un desvío menor en una obra mayor tiene gracia e historia. Pienso en el capítulo del Quijote dedicado a Sancho gobernador de Barataria o en la diversificación que hizo Dante Quinterno en la Argentina con la saga de Patoruzú, Isidoro y sus precuelas, Patoruzito e Isidorito.

Debe de haber mejores ejercicios de derivación que Van Helsing. Una precuela de Moby Dick sin Ismael, centrada en el episodio que le hizo perder la pierna al capitán Ahab, por ejemplo. Lo admirable sería que el producto secundario terminara siendo superior al original. Seguro hay casos. [PS: ¡La novia de Frankenstein!] ¿Es mejor Tom Sawyer o Huckleberry Finn?

Camino a la perdición

2004-04-17T18:00:00.000+02:00

La vi anoche en DVD. La dirección artística tiene ese brillo primoroso que Hollywood se siente obligado a dar a los films de gran presupuesto y que hace que hasta un mendigo parezca vestido por Armani. Una de las peores consecuencias de esta técnica es que hace de colchón emotivo; hasta los asesinatos dan gusto de lo bien iluminados que están. Pero el film cuenta cosas tremendas y con este planteo visual pierden todo dramatismo. Es una característica del tándem Sam Mendes-Conrad L. Hall, que ya había hecho lo mismo en Belleza Americana, aunque por la vía de la saturación de colores, mientras que en Camino a la perdición todo luce atenuado. Son técnicas que anestesian el ojo. Viendo las entrevistas al equipo técnico entre los extras del DVD, me sorprendió que varios en en la producción (entre ellos el propio Hall) coincidían en que el film habría estado mucho mejor en blanco y negro.

Lo peor es la elección de Tom Hanks para el rol principal. Hanks le ha hecho creer a los estadounidenses que puede interpretar cualquier papel, pero encarnar a un tipo que es a la vez un asesino a sueldo y un padre responsable requiere una dimensión trágica que este actor forjado en comedias no tiene por más Oscar que le echen. Lo que queda bien dentro de la gruesa dinámica dramatúrgica de una historieta (es gracioso que se hable de el origen de este film como una "novela gráfica", un concepto inventado por consumidores de historietas avergonzados) requiere maestría interpretativa para llegar de manera creíble a la compleja capacidad expresiva del cine. El resultado no es un desastre total porque Hanks sí es un buen actor, pero el film pierde mucho entre el exceso de luz y la falta de casting.

Tarantino y Kitano: Lo fácil y lo imposible

2004-04-04T16:42:00.000+02:00

Casualmente, vi Zatoichi y Kill Bill Vol. I en la misma semana, así que estoy un poco hastiado de espadas, degüellos y supuestos códigos de honor orientales. Es injusto juzgar una película incompleta como Kill Bill, pero pensar en por qué me gustó tan poco la primera parte me ha llevado a esto: creo que hay dos maneras de presentar al protagonista de un film. Está el que hace fácil lo imposible, y está aquel para el cual hasta lo más fácil se vuelve imposible. La primera categoría me aburre; siempre creí que el cine no es una máquina de crear sueños, sino de desmontarlos. Desconfío de los personajes que solo encuentran problemas fuera de sí mismos, como el Zatoichi de Kitano y la Black Mamba de Tarantino.

El castigo del premio

2004-01-24T19:09:00.000+01:00

¿Por qué en todos los certámenes de cine hay premios de actuación separados para hombres y mujeres? ¿Es un oficio distinto en cada caso? ¿Se los divide porque, como en el deporte, se supone que unos rinden más que otras? Ya es bastante ridícula la distinción entre actores principales y secundarios (como la que algunos premios hacen entre intérpretes de drama y de "comedias o musicales"), pero distinguirlos por su sexo... Es curioso que los movimientos feministas no se quejen de esto.

Ciudadano Quijano

2003-12-05T23:45:00.000+01:00

Charles Foster Kane puede ser visto como un Quijote bien dotado. Mientras Alonso Quijano se inventaba un mundo irreal a fuerza de impotencia, Kane creaba el suyo con poder y dinero. La dimensión trágica no disminuye porque el protagonista tenga recursos; se sabe que no hay peor pesadilla que un sueño realizado.

Welles entendía claramente esta conexión. No debe sorprender que la carrera de Welles haya empezado con El ciudadano y haya terminado intentando filmar la obra de Cervantes. Cada film era un capítulo de una autobiografía fílmica; está claro que a los 23, Welles se veía como el Quijote todopoderoso de El ciudadano y, 15 años más tarde, como el Kane desposeído de Cervantes.

Coen Chat

2003-10-28T14:26:00.000+01:00

Por el estreno de Intolerable Cruelty, tuve hace unos días un intercambio de mensajes instantáneos con Gabriela acerca del valor artístico de la obra de los hermanos Coen. Releyéndolo, me pareció que valía la pena reutilizar este material espontáneo para el blog, pero dado que no tengo tiempo para editarlo, lo publico en estado puro.

[11:30] GABI: http://www.imdb.com/title/tt0138524/
[11:30] GABI: no sé si habías visto algo de esta
[11:31] sintagma: vi el trailer
[11:31] sintagma: y sé que está 3 o 4 en recaudaciones
[11:31] GABI: sí, está bien
[11:31] GABI: a Ebert no le gustó mucho
[11:32] sintagma: bueno
[11:32] GABI: A Salon tampoco: "Intolerable Cruelty"
George Clooney and Catherine Zeta-Jones square off deliciously, but this '30s-style battle of the sexes from the Coen brothers never catches fire.
[11:32] sintagma: puede ser
[11:32] sintagma: el trailer me dio esa impresión
[11:32] sintagma: no me interesa mucho el tema
[11:33] sintagma: "Batalla de los sexos". Una huevada.
[11:33] GABI: "Intolerable Cruelty" has a solid farce structure, a bunch of ripe second bananas, and two sinfully attractive stars ready to raise comic hell. So why is a movie with so many genuine laughs and so many good bits only fitfully amusing?
[11:33] GABI: ja
[11:34] sintagma: A mí me gustan los Coen cuando usan su sentido de la farsa para cosas más densas, como el deseo de procrear y sentar cabeza en Educando a Arizona
[11:34] sintagma: o la supervivencia de los inteligentes en un mundo brutal, como en Miller's Crossing
[11:35] sintagma: o el nacimiento de la cultura pop americana y el ansia de triunfar en O Brother, where art thou?
[11:36] GABI: sí, la batalla de los sexos es una huevada
[11:36] sintagma: el truco de los Coen que para mí siempre funciona está no solo en los temas
[11:36] sintagma: sino en los personajes que crean para representar esos temas
[11:36] sintagma: Tipos tremendamente equivocados
[11:36] sintagma: pero queribles, porque están a merced del Destino
[11:37] sintagma: es como mitología griega en solfa
[11:37] GABI: lo que pasa es que es muy difícil mantener el ritmo de una por año
[11:37] GABI: como le pasa a Allen
[11:38] sintagma: a mí que un ladrón trate de regenerarse casándose con una policía y robando un chico (obviamente, en un contexto de fantasía) me parece genial
[11:38] sintagma: o esos tres presos en fuga que se convierten en estrellas pop sin saberlo...
[11:39] sintagma: es fabuloso
[11:40] sintagma: esa película es un aleph: está el nacimiento de la cultura global, el KKK, la radio, la industria musical...
[11:41] GABI: sin embargo, pasó casi desapercibida, excepto por la banda sonora
[11:41] sintagma: sí, lo sé
[11:41] sintagma: por suerte mi gusto no depende del de los demás
[11:41] sintagma: demasiado masivos para ser de culto, demasiado de culto para ser masivos
[11:42] sintagma: es el karma de los que hacen avanzar la cultura pop
[11:43] sintagma: Ante un film como ese, una obra correcta y eficiente como Fargo parece una bobada
Session Close: Fri Oct 17 11:44:06 2003

Violence's New Groove

2003-10-06T11:26:00.000+02:00

"Action movies Hollywood industry is a theme park whose theme is violence. But what kind of violence? After 11-S, I guess, they are basicly switching from bombings to shootings. Why? Because when your nightmares get real, you realize that people really die when things like that happen. The old rollercoaster loops are not funny anymore, and the rollercoaster must get into different ones. So expect absurd shooting situations from coming Hollywood scripts, because they need to escalate up to bombing magnitudes to keep grasping audience attention. Also expect more fantasy in action scripts in order to take away violence from day-to-day life. Great coming times for gore, sci-fi, and videogames."

-Movie critic Cyrus T. Bellow, in the August 2003 issue of Cinematographic Distrends Weekly Review.

Bandas de sonido no originales

2003-10-06T11:14:00.000+02:00

Otro dato curioso de una película que también fue consultado por un usuario de Pantalla.info: ¿A quién pertenece el Hallelujah que se oye en Shrek? La respuesta no es simple. El tema fue compuesto por Leonard Cohen, y apareció por primera vez en el álbum de Cohen Various Positions, de 1985. Seis años más tarde, un grupo de artistas (entre ellos Nick Cave, Pixies y R.E.M.) hicieron un disco homenaje a Cohen (I'm Your Fan, 1991). El álbum se cierra con una versión de Hallelujah interpretada por el veterano ex Velvet Underground John Cale. Esta es la versión que se escucha en el film Shrek.

Pero hay una vuelta de tuerca: el álbum con la banda de sonido del film editado por Dreamworks incluye la canción... pero interpretada por el juvenil Rufus Wainwright, baladista estrella del sello. Ambas versiones tienen arreglos muy similares en piano y mantienen el dramatismo original de la canción, pero mientras la voz de Cale es solemne, la de Rufus es más cálida.

Hay más ramificaciones. Cale incluyó su versión en su álbum acústico de 1992 Fragments of a Rainy Season y luego volvió a hacerlo en la banda de sonido del film Basquiat. También hay un bootleg de 1993 de un show en el Art Project Munich, un trabajo retrospectivo sobre su obra con arreglos de cuerdas.

El Hallelujah ha sido reinterpretado también por otros artistas. Jeff Buckley lo incluyó en 1994 en su disco Grace. Otro tributo a Cohen - Tower of Song: The Songs of Leonard Cohen, de 1995, más mainstream y menos afortunado, con nombres como Chieftains, Sting y Billy Joel- contiene una remake a cargo de Bono. Otros artistas -menos conocidos- que grabaron esta canción son Carrie Clark y Chris Botti.

Hadas ignorantes, pintores imaginarios

2003-10-03T14:16:00.000+02:00

Por si a alguien le sirve, una curiosidad para cinéfilos. Es sobre un film que no he visto (Le fate ignoranti, estrenado en Argentina como El hada ignorante), pero ante el pedido de un usuario de Pantalla.info me decidí a buscarlo y, como costó bastante, creo que valdrá la pena sumar una página a la web con el dato. (Ya que hasta donde Google me deja ver, ahora solo hay dos páginas sobre el tema, y ninguna en español.)

La película, dirigida en Italia por el turco Ferzan Ospetek, toma su nombre de una pintura de cierta fama; una reproducción de este cuadro es clave en la trama. El usuario preguntaba quién es el autor de la obra. El problema es que el autor que se menciona -Joseph Lanti- en la película es ficticio. En realidad, el cuadro pertenece a René Magritte (La fee ignorant).

Este es el recorrido que hice para llegar a la respuesta: primero encontré en Google el sitio oficial del director (http://www.ferzanozpetek.com/). Allí encontré un enlace al sitio oficial del guionista del film, Gianni Romoli (http://www.gianniromoli.it/), de donde descargué el guión completo del film en un documento de Microsoft Word. Buscando la palabra "quadro" ("cuadro" en italiano) encontré un fragmento en el cual dos personajes hablan de la pintura y se la adjudican al imaginario Joseph Lanti. De allí, una búsqeda del nombre en Google para confirmar que el sujeto no existe y luego otra ("fate ignorante Lanti") para encontrar una crítica en italiano en la que se aclara el punto y se menciona a Magritte: http://www.itportal.it/tech/dvd/film/lefateignoranti/. Aunque Magritte ha pintado más de 1300 cuadros, llegado a este punto es fácil encontrar una imagen en el sitio de la Hammond Gallery buscando "Magritte fairy": http://www.hammondgallery.co.uk/view_pic.php3?pid=1393&aid=45. Finalmente, reemplazando "fairy" (hada) por su equivalente en francés ("fée"), aparece un newsletter turco de cine que confirma que Magritte ha sido la fuente de inspiración de Ozpetek.

Hulk salvado

2003-08-15T00:11:00.000+02:00

Hace un montón que quiero postear esto: vi The Hulk y mi impresión es contraria a lo que escribí antes: creo que Ang Lee sale bastante bien parado. Su estrategia es acercarse y alejarse del molde de cómic, según le conviene. Lo interesante es que hace ambas cosas simultáneamente. Por ejemplo, se acerca al cómic en la forma con los efectos de split screen (que, por cierto, no se ven usados por un director de prestigio desde Brian De Palma en Carrie, creo), pero aprovecha el acercamiento estético para hacer un tratamiento dramático nada cercano al cómic. El final, con la batalla contra el padre convertido en una fuerza de la Naturaleza es cómic 100%, McGuffin puro, sinsentido bizarro. Pero antes hay una variedad sorprendente de estilos expresivos: el diálogo con el padre es en realidad, un monólogo off-Broadway; la batalla con los perros mutantes tiene la belleza salvaje de un mito antiguo. Como siempre, estarán los que digan que Lee solo ofrece un poco de psicología barata; como siempre, diré que el conocimiento no se mide por su precio y que, en todo caso, si así fuera, yo me quedo con las ciencias baratas.

Especulación sobre un film que no he visto

2003-06-24T19:41:00.000+02:00

No he visto aún The Hulk -espero poder hacerlo dentro de unos días, cuando en BA tenga un poco de paz- pero intuyo, mientras leo las críticas de los diarios estadounidenses, que la versión de Ang Lee es otra víctima del impulso por llevar comics al cine.

Todo pareciera indicar que hay una gran afinidad entre estas dos disciplinas. Al fin y al cabo, nacieron casi simultáneamente; de alguna manera, se podría decir que el cómic es cine fantástico de bajísimo presupuesto, hecho por desgraciados sin la fortuna de contar con una fortuna que les permita dar movimiento y sonido a sus sueños.

Sin embargo, no recuerdo casi ninguna versión fílmica de cómic que haya sido bien recibida por la crítica.

Habiendo sido un consumidor compulsivo de cómics durante mi infancia -consumidor de bajo presupuesto, claro-, tengo la impresión de que la afinidad entre estas disciplinas no es tanta. Y que lo que muchos ven como intentos fallidos no son sino éxitos en la traslación de un género artístico que no tiene mucho para aportar cuando recibe el don de la animación.

Superada la infancia, esa época en la que todas las historias son cautivantes, el verdadero atractivo de los héroes de comic para un adulto reside en el personaje, en su descripción y en su núcleo dramático básico, no en las aventuras que vive. Esto hace que cualquier desplazamiento de estos héroes al cine, donde los eventos son importantísimos, parezca fallido. Como las parábolas cristianas, hay que percibirlas "as is", sin mayor interpretación. De hecho, las historietas de la Marvel son más divertidas cuando uno las recuerda que cuando las vuelve a leer: sobredialogadas, discursivas, atrapadas en un sistema de secuencias irresueltas encadenadas y con una tendencia espiralada al absurdo, apenas disimulan debajo de todo esto que son solo un montón de agarradas a piñas entre personajes bizarros con algunas aplicaciones de tecnología sesentista extraída de las páginas de "Lo sé todo".

Esta dicotomía entre el personaje y sus historias ya está claro en la historietas. La celebrada capacidad de Stan Lee para inyectar problemas de la "vida real" -los problemas estudiantiles de Peter Parker, las enfermedades de Iron Man, la angustia de Hulk- en sus comics parece detenerse en la definición misma del personaje. Cuando el personaje entra en acción, pasa la mayor parte del tiempo enfrentando a villanos interestelares y poderes supranormales. Esto es muy notable en el Hombre Araña, cuyos superpoderes lo convierten en un buen luchador contra la delincuencia urbana tradicional pero está casi todo el tiempo luchando contra exageradas castas mitológicas.

En mi opinión, una de las películas más exitosas en su adaptación de un cómic es Spawn y es, francamente, insoportable. Es el único que yo haya visto que ha capturado esa narrativa saturada y bizarra de las historietas.

No es fácil ponerse profundo con un cómic en el cine, por no decir imposible. El drama de estos personajes no resiste el movimiento, porque la acción dramática convencional expone demasiado frontalmente la inverosimilitud de los personajes y sus situaciones. ¿El pene de Hulk es verde? ¿Tiene poluciones radiactivas? ¿Por qué no destroza sus pantalones cuando se transforma? La acción congelada del comic excusa estos problemas.

Si un director enfrentara honestamente la tarea de tratar de poner en práctica a un superhéroe creíble en un mundo real con las herramientas expresivas del cine contemporáneo, el género de la obra resultante no sería aventura, sino terror psiquiátrico. Un superhéroe es un desequilibrado tratando de controlar un mundo descontrolado, y su visión de la sociedad se parece más a la de un reaccionario de derecha desatado que a la de un defensor de los desamparados. Si Darren Aronofsky hace finalmente su Batman y logra imbuirlo del espíritu de Pi, quizás tengamos un buen ejemplo de esto que digo, tras lo cual sería una buena idea dejar de hacer films sobre superhéroes.

Filosofía barata

2003-06-15T17:14:00.000+02:00

¿The Matrix, filosofía barata? Puede ser. Pero, ¿quién quiere filosofía cara? Estoy traduciendo al castellano un artículo que leí en Salon.com para compartirlo acá. Espero tenerlo listo pronto.